Als Letztes durchgespielt

Ni Nu Kuni - Wrath Of The White Witch - PC 44h

Im Großen und Ganzen hat es mir recht gut gefallen, so richtig negativ fand ich nur einen Bug in den Kämpfen. Ich hatte das Game eig nur angefangen, weil ich mal wieder Bock auf etwas "Pokemon artiges" hatte, jedoch hat das Spiel mit Pokemon wenig zu tun. Das Kampfsystem ist mal etwas Neues, aber irgendwie nicht ganz ausgereift. Viele "Vertraute" die man später einfängt sind besser als die im Team, aber wer hat schon Bock die Vertrauten laufend zu leveln? Richtig nervig fand ich folgenden Bug: Man konnte oft 2-5 Sek gar nichts machen, weil das Menu um Vertraute zu tauschen bzw. einen Gegner anvisieren spinnte, in meinen Fall die RB + LB Tasten -> Es lag nicht am Controller.^^

Ich finde bei dem Spiel hat man zu wenig Mana, es kann nicht sein, dass man gegen Ende in jedem Bosskampf 5-10 "Manatränke" benutzen muss, das Spiel ist doch kein MMO.

Ein generelles Problem bei Games wo man nur eine Figur steuert, es aber mehrere Partymitglieder gibt, ist dieses dumme Verhalten der NPC´s. Ja man kann eine Taktik einstellen, aber wer hat schon Bock da in jeden Kampf dran rumzubasteln? In dem Spiel hauen die Partymitglieder das Mana nur so raus, obwohl man "Heiler" eingestellt hat, außerdem haben die gar kein Fingerspitzengefühl, bei den eingesetzen Vertrauten. Möglicherweise habe ich mich auch zu doof angestellt, bei dieser Art von Kampfsystem, habe ich öfters Probleme. ( Na toll und ich Trottel will jetzt Visons of Mana spielen... xD )

Richtig gut fand ich den Soundtrack hier waren einige richtig schöne Tracks dabei.

Am Ende vergebe ich eine 8/10.

So, kurz vor Beginn des releastechnisch brutalsten Monat des Jahres konnte ich noch das letzte Spiel auf meiner aktuellen Prioritätenliste durchspielen. Legend of Nayuta Boundless Trails wird als Spin-Off der Legend of Heroes-Reihe gehandhabt seitens des Publishers, aber bei allem, was ich sehen konnte, ist das wohl eher eine Art Marketing-Gags, Fans der Reihe konnten keine rechte Verbindung zwischen den Reihen herstellen. Dementsprechend habe ich das Spiel nicht als Legend of Heroes-Fan, sondern als Ys-Fan gespielt, weil es der Reihe spielerisch sehr ähnelt, nur eben mehr als Sidescrolling-Plattformer.

Also, wie ist das Spiel denn nu als Ys-Fan?

Na ja, erstmal zur Story: Nachdem er vier Monate auf einer Akademie verbrachte, kehrt Nayuta mit seinem besten Freund Cygna zu seiner Heimatinsel Remnant Isle für die Sommerferien zurück. Eigentlich sollte es ein entspannter Urlaub werden, doch als eine gewaltige Ruine einfach so vom Himmel fällt und dort plötzlich eine kleine Fee auftuacht, steht fest: Ganz so entspannt wird das Ganze nicht. Schon bald führt die kleine Fee sie in eine andere Welt namens Lost Heaven, ein verlorenes Paradies, auf dessen Nayutas Eltern leider ihr Leben lassen mussten. Die Freude darüber währt nur kurz, denn ein Mann namens Zechst zeigt sich und droht, Terra in ein Chaos zu stürzen und es liegt an Nayuta, Cygna und Noi, ihn aufzuhalten!

Ich will ehrlich sein, die Story des Spiels ist nicht unbedingt ihre Stärke, Legend of Heroes-Fans dürften hier nicht unbedingt glücklich werden. Der Plot ist extrem simpel. Nayuta selbst ist der aufrichtige und gutherzige Protagonist, Noi die kleine Fee mit der etwas piepsigen Stimme, wir haben den selbstbewussten Kindheitsfreund, der alles allein machen möchte und keinesfalls andere mit hineinziehen will, die Kindheitsfreundin, die mehr als eindeutig in den Protagonisten verknallt ist, aber es nie schafft, ihre Gefühle zu offenbahren, weil ohohoh, irgendwelcher Unsinn passiert, der sie daran hindert (ein Trope, den wir hoffentlich bald begraben können, danke schön!) und die mysteriöse Schönheit, die in einen tiefen Schlaf gefallen ist und auf ihre Erweckung wartet. Nichts davon ist wirklich neu oder aufregend, aber als Grund, euch durch die verschiedenen Levels zu scheuchen, funktioniert sie gut genug.

Wobei ich schon sagen muss, das Finale funktioniert für mich. Es gibt ein paar ganz coole Offenbahrungen, einige nette Twists und gerade visuell ein paar wirklich einprägsame Szenen. Das Finale habe ich gefühlt. Der Weg dahin war aber... eh. Ihr solltet das Spiel also nicht unbedingt für seine Geschichte spielen.

Wofür ihr es spielen solltet, ist das Gameplay! Ys-Fans werden sich hier direkt wie Zuhause fühlen! Obwohl es jetzt ein Sidescroller ist, fühlt es sich direkt wie ein Ys-Game an. Ihr verdrescht Monster mit einem simplen, aber temporeichen Kampfsystem, absolviert zwischendurch mal mehr oder weniger anspruchsvolle Geschicklichkeitseinlagen und stärkt euch innerhalb eines kleinen Hub-Areals mit einem ebenfalls simplen, aber sehr befriedigenden RPG-System, bei dem wirklich alles, was ihr macht, euch hilft, stärker zu werden. Es ähnelt dabei eher den klassischen Ys-Games als den späteren Party-fokussierten Spielen, da ihr mit Nayuta und Noi stehts allein unterwegs seid und nicht zwischen Partymitgliedern hin- und herwechselt. Unterschiede gibt es aber auch: Wie gesagt, da es mehr ein Action-Plattformer ist, stehen die Hüpfpassagen hier mehr im Fokus als in den Ys-Games. Statt wie in den älteren Ys-Spielen auf eine Top Down- oder Vogelperspektive zu setzen, erlebt ihr das Abenteuer in einer Seitenansicht. Statt einer zusammenhängenden Welt hat das Spiel eine Level-to-Level-Basis, bei denen ihr sie in einer Kartenansicht einfach auswählt. Und dank Noi verfügt ihr über eine limitierte Anzahl an Projektilen, die sich über die Zeit aufladen und von denen ihr im Verlauf des Spiels immer mehr freischalten könnt.

Insgesamt fühlt sich das Spiel so wie eine Mischung aus Ys und einem klassischen Plattformer an. Jeder Level hat dabei mehrere Collectibles. In der Regel sind das drei große Kristalle, die euch eine große Anzahl Mira, die Währung des Spiels, beschert, sowie eine Truhe, die verschiedene Belohnungen wie neue Ausrüstung oder andere Collectibles enthält. Dazu gesellt sich pro Level eine Mission, die ihr absolvieren könnt. Diese besteht aus Aufgaben wie "Besiege XXX Zahl Monster, sammle XXX Anzahl Mira-Kristalle ein, bestehe den Level innerhalb einer Zeit, lass dich maximal 10 Mal treffen, falle höchstens dreimal herunter" und so weiter.

Am Ende des Levels gibt es ein Ranking bis zu drei Sternen. Ein Stern erhaltet ihr einfach dafür, den Level zu beenden. Einen zweiten für das Sammeln aller Collectibles und einen dritten für das Bestehen der Mission. Für jeweils sechs Sterne erhaltet ihr von eurem Schwertkampfmeister zurück auf der Insel eine neue Schwertkampftechnik und somit mehr Angriffsmöglichkeiten.

Zudem sammelt ihr innerhalb der Levels von besiegten Gegnern Zutaten, mit denen eure Schwester Zuhause etwas für euch kochen kann. Die Mahlzeiten sind nicht nur abseits von auffindbaren Sofortheilitems die einzige Möglichkeit, euch innerhalb der Levels zu heilen, sondern sie bescheren euch auch eine große Anzahl Erfahrungspunkte, sodass das Kochen essentiell für das Aufleveln von Nayuta und oftmals der schnellste Weg ist. Des Weiteren findet ihr in den Levels in zerstörbaren Objekten Sammelgegenstände, die ihr an ein Museum spenden könnt. Das bringt euch nicht nur große Summen Mira ein, sondern auch noch weitere Belohnungen wie seltene Zutaten oder Ausrüstung.

Und das ist ein süchtig machender Gameplayloop. Die Level sind meist nicht allzu lang (in der Regel 5-10 Minuten), also ist es kein Problem, sie noch einmal zu spielen, um noch eben die Mission zu beenden oder den letzten fehlenden Kristall zu suchen.

Und alles, was ihr innerhalb der Level schafft und sammelt, hilft euch spürbar, stärker zu werden und ihr MERKT den Unterschied in eurem Level und eurer Ausrüstung. Gegner, die zuvor noch große Probleme machten, vernichtet ihr mit etwas Aufleveln plötzlich problemlos!

Gerade deshalb fühlt sich dieser Gameplayloop so gut an! Simpel, aber effektiv!!!

Eine weitere Besonderheit sind die Jahreszeiten. Dank Noi habt ihr später die Möglichkeit, die Jahreszeit eines Gebietes zu ändern, wodurch sich die Levels spürbar ändern. Stellt es euch vor wie bei Yooka-Laylee and the Impossible Lair, bei dem ihr auch die Levels ändern konntet.

Es gibt dann andere und stärkere Gegner und der Levelaufbau ändert sich, mal leicht, mal stark! Zwar gibt es im Spiel an und für sich nicht allzu viele Levels, aber durch diesen cleveren Twist sind es am Ende dann doch deutlich mehr! Ich kann mir vorstellen, dass das nicht jeder so sieht und das für recht faules Recycling handelt, ich indessen finde diesen Ansatz sehr faszinierend und liebe Levels, die auf den Jahreszeiten basieren, wirklich sehr (eines meiner absoluten Lieblingslevels ist schließlich Click Clock Wood aus Banjo-Kazooie), also ein ganzes SPIEL zu haben, dass darauf basiert, macht mich echt glücklich!

Insgesamt gesehen finde ich das Gameplay von dem Spiel fantastisch! Als Ys-Game betrachtet kommt es für mich nicht GANZ an die besten Ys-Games heran, dank des Rankings und einiger Sidequests, durch die ihr Levels nochmal besuchen müsst, ist das Pacing nicht ganz so großartig wie in den besten Ys-Ablegern, aber dank dem Jahreszeiten-Twist, einem süchtigmachendem Gameplayloop und schön designten Plattformpassagen ist es immer noch auf einem extrem hohen Niveau!

Die Präsentation des Spiels gefällt mir insgesamt auch echt gut. Gerade die Optik habe ich mit ihren stark stilisierten Chibi-Charakteren und den 2D-Hintergründen sehr schnell liebgewonnen! Ich finde die Optik extrem charmant und, ehrlich gesagt, deutlich zeitloser als die von vielen 3D-Ys-Ablegern, bei denen die Charaktermodelle oft sehr verwaschen daher kommen. Hier ist alles knackscharf und auch heutzutage sieht es noch wunderschön aus! Ich finde, ein Ys Seven und ein Memories of Celeata sticht Nayuta locker aus und dank des tollen Stils überflügelt es teilweise sogar noch ein Lacrimosa of Dana leicht, selbst, wenn es ihm an der schier beeindruckenden Größe von dessen Locations fehlt.

Musikalisch ist das Spiel für ein Falcom-Titel auf einem recht durchschnittlichen Niveau. Die Musikstücke sind oft sehr eingängig und stimmig, aber ihnen fehlt es ein wenig an Denkwürdigkeit. "Geht sehr gut ins Ohr, bleibt aber nicht im Kopf", würde ich sagen. Es GIBT zwar einige Stand-Out-Tracks, aber nichts auf dem Level eines Sunshine Coastline von Lacrimosa of Dana (ich schwöre, dieser Track ist mittlerweile ein Meme geworden unter der Fanbase, wenn es darum geht, herausragende Tracks hervorzuheben. Und das zu Recht!)

Allerdings soll dazu gesagt sagen, ein durchschnittlicher Falcom-Track ist immer noch ein sehr guter Track, was normale Standards angeht.

Falcom-Musik ist einfach auf einem anderen Level!!!

Und das war Nayuta für mich. Ein wirklich tolles Spiel, von dem ich echt bedauere, dass ich es nicht schon letztes Jahr gespielt habe.

Zwar ist die Geschichte bis auf das Finale nix besonderes, aber in Sachen Gameplay überzeugt das Spiel auf ganzer Linie. Das gemischt mit einer charmanten Optik und immer noch sehr guter Musik und wir haben ein starkes Gesamtpaket, dass ich jedem Ys-Fan, der über eine eher mittelprächtige Story hinweg sehen kann, nur wärmstens ans Herz legen kann!

Fenton Paddock, im Einsatz!

2010 erstmals erschienen war ich sofort hin und weg. Trotzdem hat's noch bis Sommer 2011 gedauert, bis ich es in der edlen "Adventure des Jahres" Version erstmals gespielt habe. Einige Zeit drauf kam es zum zweiten Durchgang, den ich zugegeben nur noch in Ordnung fand, bis ich diesen Sommer ziemlich spontan einen erneuten Durchgang gestartet habe.

In Lost Horizon übernimmt man die Rolle von Fenton Paddock, der im Hongkong der 30er Jahre sein Geld als fliegender Privatkurier verdient, gerne auch, und wie es sich für einen Heldenpon der alten Schule gehört, am Rande der Legalität. Fenton erhält vom britischen Gouverneur den Auftrag, eine in Tibet verschwundene Aufklärungseinheit ausfindig zu machen, nimmt die Mission aber erst an, nachdem er erfährt, dass sein Kindheitsfreund und quasi-Bruder Richard Teil der Einheit war.

In Tibet angekommen stösst Fenton auf ein voll ausgerüstetes Feldlager der Nazis, die gerade dabei sind, sich Zugang zu einem geheimen Kloster zu verschaffen, in dem sie nichts geringeres als den Weg nach Shambala = die Allmacht vermuten. Für Fenton beginnt dadurch eine spannende Jagd um die halbe Welt, um die im Lauf der Jahrhunderte verloren gegangenen Schlüsselartefakte zu finden. Nicht nur gilt es, die Nazis aufzuhalten, denn alle Spuren weisen darauf hin, dass Richard nach Shambala gelangt ist und immer noch am Leben ist.

Lost Horizon ist ein grosses Abenteuer der alten Schule und allein schon das Titelbild macht das klar. Geboten wird hier alles, was nötig ist, vom coolen Helden, der weiblichen (unfassbar nervigen) Begleitung, ein antikes Mysterium, das den Lauf der Weltgeschichte ändern könnte, Nazis, etliche exotische Handlungsorte,....alles vorhanden.

Allein in den ersten paar Minuten sehen wir im Prolog, wie Richard ins geheime Kloster flieht und dort in einer Lichtsäule verschwindet, das wunderbare nächtliche Hongkong, begleitet von einem gesungenen Musikstück, Heldenpon Fenton, der mit der verführerischen Sängerin flirtet, nur um anschließend den Schlägern einer der örtlichen Triaden in die Arme zu laufen, die ihn in einen Holzsarg einnageln und im Hafenbecken versenken.

Der Beginn des Spiels ist dabei stellvertretend, den das gesamte Abenteuer ist eine wilde Achterbahnfahrt und lässt Fenton kaum eine Gelegenheit zum verschnaufen. Neben Hongkong und Tibet sind weitere Anlaufstellen die Wüstenstadt Marakesch, eine von Nazis besetzte Burg in Deutschland (Ähnlichkeiten zu Schloss Brunwald aus Indiana Jones sind hier eindeutig beabsichtigt), ein Dorf in Indien und im Finale natürlich Shambala selbst. Sogar das vierte Kapitel im eher unspektakulären Berlin überzeugt, da hier gegenwärtig die Olympischen Spiele stattfinden, wobei Fenton auch vor eiskalter Sabotage nicht zurückschreckt. Die Welt rettet sich halt nicht von allein.

Die Handlung ist vielleicht nicht originell, aber mehr als solide und etwas anderes wird auch gar nicht verlangt. In einer Abenteuergeschichte braucht es keine Helden, die sich weiterentwickeln oder vielschichtigen Gegenspieler, die nur aufgrund irgendeiner Tragödie in der Vergangenheit böse wurden. Da reicht einfache Machtgier und das Verlangen, dem Dritte Reich den Sieg zu bringen, was die strenge Gräfin von Hagenhild antreibt.

Ansonsten sieht man dem Spiel wirklich zu jeder Sekunde an, mit wieviel Hingabe und Leidenschaft die Entwickler am Werk waren. Ein schönes Detail ist etwa, dass auch der unwichtigste Charakter ein Porträt hat, das bei Dialogen eingeblendet wird. Selbst die dicke Dame am Brandenburger Tor, die nur zwei Sätze zu ihrem Kind sagt und überhaupt nicht mit Fenton direkt spricht. Viele Charaktere sehen auf ihren Bildern übrigens so glücklich aus und grinsen, das ist schön.

Auch die Grafik kann noch überzeugen. Zwar sind die Charaktermodelle inzwischen in die Jahre gekommen, dafür glänzen die Schauplätze mit unfassbar vielen Details und Kleinigkeiten. Das nächtliche Hongkong im Regen, die verschneiten Gebirgszüge Tibets, die geschäftige Wüstenmetropole Marakesch, Berlin im Sportfieber, die mittelalterliche Burg, der indische Dschungel und natürlich Shambala selbst, das man in zwei Zeitebenen besucht, es gibt so viele herrliche Orte. Durchgehend ist übrigens eine Art Filter aktiv, durch den die Farben noch mehr strahlen und alles einen ganz leichten Art Deco Touch hat, der das ganze Spiel noch schöner macht.

Was die Kritik angeht, im letzten Drittel merkt man leider etwas, dass dem Studio etwas die Luft ausgegangen ist. Indien besteht tatsächlich nur noch aus fünf Schauplätzen (und drei davon sind ein Tempel von oben, von unten und von innen) und grade dann ist mir aufgefallen, dass die Zahl der Objekte, mit denen man interagieren kann, arg abgenommen hat. Zusätzlich werden die oft nach ihrem Einsatz deaktiviert und können nicht mehr angewählt werden, was das Spiel zwar erleichtert, persönlich finde ich es aber immer schade, wenn man an einem Ort die Hotspot-Funktion aktiviert und letzten Endes nur noch die Ausgänge nach links und rechts hat.

Zu dem Zeitpunkt ist mir auch aufgefallen, dass Fenton leider etwas unkreativ wurde, was das Betrachten von Gegenständen angeht. Betrachtet man ein Stück Draht, dann sagt er halt auch nur etwas wie "Ein kurzes Stück Draht". Schade, aber zumindest passt es, da Fenton halt auch niemand ist, der ständig einen mehr oder weniger lustigen Spruch auf den Lippen hat.

Das Ende kommt leider auch etwas plötzlich daher. Fenton kann die Nazis vertreiben, Gräfin von Hagenhild wird von Kim, der weiblichen Begleiterin, ausgeschaltet und es folgt eine kurze Szene mit Richard. Daraufhin flirtet Fenton mit Kim und kommt langsam näher, die beiden küssen sich und in der Ecke wird "Ende" eingeblendet, woraufhin es direkt in die Credits geht. Ein Adventure ist zwar kein RPG, wo man gern ein Ending von 30 Minuten hat und zeigt, wie es mit den Charakteren weiterging. Das braucht es hier auch gar nicht, zumindest die Rückkehr aus Shambala wäre aber noch nett gewesen, schließlich laufen da nach wie vor reihenweise Nazisoldaten herum.

Dafür gibt es aber einen sehr coolen Zickenkampf zwischen Kim und der Gräfin. Beide liefern sich einen Schlagabtausch und mehrfach kann man entscheiden, ob Kim angreifen, verteidigen oder fliehen soll, was zu einer neuen Sequenz führt, die jedes Mal nahtlos übergeht.

Das alles kann man verkraften, nur einen ganz massiven Kritikpunkt gibt es am Spiel, nämlich Kim, die die größte Zicke aller neun Welten ist. Zu Beginn ist ihr Verhalten verständlich. Sie ist die Enkelin eines alten Freundes von Fenton, nach einem Zwischenfall mit der Armee, bei dem einige Menschen ums Leben kamen und Fenton unehrenhaft entlassen wurde, kam es aber zum Bruch zwischen den beiden. Fenton sucht seinen Freund zu Beginn auf, da die Expedition von Richard dessen Karten verwendet hat und erfährt von Kim, dass ihr Grossvater ein paar Tage zuvor verstorben ist, ohne dass es noch zu einer Aussprache gekommen ist.

Freilich ist das Mädel auf den Heldenpon erstmal schlecht zu sprechen, vor allem, da Fenton keine Details seiner Mission verraten will und kurz darauf auch die von den Nazis angeheuerten Schläger auftauchen, weshalb sich Kim plötzlich eher unfreiwillig im Flugzeug auf dem Weg nach Tibet findet.

Obwohl die beiden sich auf dem Flug aussprechen und Kim erfährt, was damals wirklich passiert ist, behält sie ihre biestige Art durchgehend bei. Und sie ist nicht nur eine Zicke, sie motzt Fenton durchgehend an, spricht mit ihm, als wäre er beschränkt und ist permanent genervt, als würde sie mit einem kleinen Kind sprechen, obwohl sie gut zehn Jahre jünger ist. Sie stellt jede Idee, die Fenton hat, erstmal als blöd dar und macht nichts, ohne theatralisch zu schnaufen. Permanent hat man den Eindruck, dass ihre Sprecherin noch keinen Job zuvor gemacht hat (hat sie aber, Farina Brock kann man durchaus kennen und sie war zu dem Zeitpunkt schon seit über zehn Jahren im Geschäft) oder als ob man Kim bewusst und mit Absicht als unsymphatisch darstellen möchte. Hat jedenfalls geklappt, man muss Fenton dafür bewundern, dass er dem Mädel bei ihren Zicken keine schallende Ohrfeige verpasst und ich war wieder heilfroh, dass sie situationsbedingt einen Großteils des Spiels abwesend ist.

Lost Horizon ist auch jetzt noch, knapp 15 Jahre später, ein phantastisches Abenteuer der alten Schule. Wer ein Faible dafür oder für Adventures generell hat, darf und sollte sofort zugreifen. Unbedingt spielen!

Investiert habe ich nicht ganz zwei Wochen, auf die sich zwölf und eine halbe Stunde verteilen.

Und nun die Fortsetzung. Fenton Paddock, im zweiten Einsatz...oder doch nicht?

20 Jahre nach dem Abenteuer in Shambala ist Fenton Paddock wieder für die britische Armee aktiv und soll in einer ägyptischen Wüstenstadt den Stützpunkt von Terroristen ausfindig machen. Der Plan läuft komplett schief, die Stadt versinkt im Chaos des britischen Bombenangriffs und plötzlich taucht israelische Agentin Anne auf, um Fenton in Sicherheit zu bringen.

Zwischenzeitlich wurde nämlich Fentons Tochter Gwen vom KGB entführt, nachdem diese über ein geheimes Artefakt gestolpert ist, welches einen Hinweis auf Asgard liefert. Dort erhofft man sich, eine Macht zu finden, mit der man den noch jungen Kalten Krieg ganz schnell in einen Warmen verwandeln und im Optimalfall auch direkt für sich entscheiden könnte.

Lost Horizon 2 erschien 2015, ganze fünf Jahre nach dem grandiosen Vorgänger. Ums vorweg zu nehmen, die Fortsetzung ist schlecht, und zwar so richtig. Deutlich wird das direkt im Intro.

Wie schon im ersten Teil handelt es sich um eine kurze Sequenz, die einen Vorgeschmack aufs Abenteuer und dem Spieler erste Hinweise aufs große Myterium bieten soll. Während der Vorgänger da noch einen sehr guten Job macht (Naziangriff auf ein verschneites Kloster, Richard flieht mit dem Abt in eine geheime Kammer, Abt erklärt kurz das Geheimnis des Klosters, was mehr Fragen aufwirft als beantwortet werden, Richard verschwindet in einer Lichtsäule...), versagt der zweite Teil bereits in der Hinsicht. Man übernimmt die Rolle eines jüdischen Wissenschaflters in Berlin, der seine Aufzeichnungen vernichtet und seine Töchter versteckt, bevor er von Nazis erschossen wird. Das ist ehrlich gesagt ziemlich langweilig und unspektakulär und hätte man sich genauso gut sparen können, weil auch absolut nichtssagend. Zumindest fürs Ende wird die Szene aber noch wichtig.

Davon abgesehen ist der Start des Abenteuers aber durchaus solide. Fenton Paddock, 20 Jahre älter, ist zurück und versucht in einer nächtlichen Wüstenstadt das Hauptquartier einer Terrorgruppe zu finden. Das versprüht zwar deutlich weniger Abenteuerflair als der Start in Hongkong damals, funktioniert aber noch. Leider folgt im Anschluss, als Fenton und Anne die Stadt verlassen, jedoch der absolute Absturz, von dem sich das Abenteuer nie erholen wird. Anne erzählt nämlich, wie Tochter Gwen entführt wurde und woher sie diese überhaupt kennt.

Das Spiel macht nun einen so extremen Schwenk, wie ich ihn selten zuvor gesehen habe, denn plötzlich befindet man sich mit Anne in einem bayerischen Vorort, wo diese einen Kunstsammler interviewen möchte. Der Stilbruch ist so massiv, man fühlt sich tatsächlich, als wäre man plötzlich in einem komplett anderen Spiel gelandet, dass rein gar nichts mit dem bisher erlebten zu tun hat. Fast schon am Schlimmsten ist dabei der Wechsel des Charakters.

Ganz ehrlich, es kommt nach 20 Jahren (im Spiel vergangene Zeit) bzw fünf Jahren (zwischen der Veröffentlichung der beiden Teile) bzw 13 Jahren (seit ich das erste Mal Teil 1 gespielt habe) endlich zu einem Wiedersehen mit Fenton Paddock, der eh die coolste Socke ist...da will ich nicht nach knapp einer halben Stunde plötzlich zu so einer 08/15-Dame wechseln, die ich grade erst kennengelernt habe.

Anne will in Wahrheit den Kunstsammler als Naziverbrecher überführen und das Interview als Vorwand nutzen, um in seinem Anwesen nach entsprechenden Beweisen zu suchen. Im Optimalfall eine nordische Schatulle der Wikingerzeit, die den man eindeutig mit dem Dritten Reich in Verbindung bringen würde, erfährt allerdings, dass der Mann seine Schätze in einem stillgelegten Bunker versteckt hat.

Anne macht sich auf den Weg und die Handlung wechselt vom bayerischen Vorort zum bayerischen Mischwald mitten im Nirgendwo, wo Anne schließlich den Zugang zum Bunker und letztilch auch das Versteck der Gegenstände findet. Dort kommt sie endlich zum eigentlichen Kern der Sache, da sie nun Fentons Tochter Gwen begegnet, die inzwischen die gesuchte Wikingerschatulle entdeckt hat. Gleich darauf tauchen allerdings die KGB-Agenten auf, um das Mädchen zu entführen.

Die ganze Sequenz funktioniert recht gut als eines der Hauptprobleme des Spiels, das unglaubwürdige und schnell hingeklatschte Drehbuch. Anne und Gwen entkommen aus dem Bunker, indem sie...mit einer alten Fliegerbombe...die Mauer sprengen?! Die Schatulle geht dabei zu Bruch, Anne und Gwen wollen mit dem Auto fliehen, werden von den Agenten gerammt und Anne...läuft davon und lässt das Mädchen zurück? Gwen wird daraufhin direkt nach Moskau gebracht, wo man mit Drogen, Gehirnwäsche oder Hypnose versuchen will, ihr das Geheimnis der Box zu entlocken. Wobei gekonnt ignoriert wird, dass sie das Ding nur gefühlte fünf Minuten in der Hand gehalten hat, was die Agenten auch überhaupt nicht wissen können. Hauptsache aber, man hat nun ein neues Reiseziel.

Zugegeben macht die Szene zum Ende hin etwas mehr Sinn, zugegeben auch recht viel, wenn man bedenkt, dass es sich dabei nicht um einen einfachen Rückblick handelt, sondern um einen ERZÄHLTEN Rückblick. Es hätte dem ganzen Spiel aber sehr viel mehr gebracht, zu gegebener Zeit kurz darauf zurückzukommen und zumindest zu erwähnen, dass die Dinge etwas anders abgelaufen sind, als sie dargestellt wurden.

Teil 1 war eine wilde Achterbahnfahrt, auf der permanent etwas passiert. Allein im ersten Kapitel wird Fenton in seinem Sarg schwimmen geschickt, bei einer Verfolgungsjagd durch die Strassen Hongkongs improvisiert er aus Feuerwerkskörpern und einem alten Motor einen Raketenwerfer und zum Ende des Akts wird Fentons Flugzeug von einem deutschen Kampfflieger mitten über den Bergen Tibets abgeschossen. Nachfolgende Kapitel gehen zwar etwas runter vom Gas, man ist aber permanent im Abenteuermodus.

Teil 2 dagegen wirft den Spieler nach dem ordentlichen Start plötzlich ins öde, ländliche Dorf, inklusive spiessiger Jagdvilla und neuem Charakter, schafft es bis zum Finale nicht mehr, sich aus diesem Tief zu ziehen und beginnt bereits zu diesem Zeitpunkt mit Löchern in der Handlung. Und wieso der britische Fenton seine zehnjährige Tochter ausgerechnet ins bayerische Hinterland auf ein Internat schickt wird genauso wenig hinterfragt wie die Tatsache, dass die plötzlich in einem verriegelten Bunker mitten im Wald auftaucht.

Fenton erfährt nun, dass Gwen in einem Geheimlabor unter dem Kreml festgehalten wird, die Reise geht aber seltsamerweise nach Berlin. Noch während ich mich frage, ob es in den 50er Jahren dort einen Kreml gegeben hat, geht es auch direkt weiter nach Russland. Der Sinn des Abstechers ist eine kurze Szene von einer Minute, in der man einen Spion trifft, der die genaue Lage des Labors weitergibt. Hätte man sich auch sparen können.

Generell zeigt aber Kapitel 3 gleich das nächste Problem des Spiels, nämlich den geringen Umfang. Die ganze Episode besteht aus dem Bahnhof, dem Vorplatz des Kremls, dem Mausoleum mit dem Geheimzugang vorne und hinten, zwei Gängen des Labors und der Kammer, in der die furchtbar designte Gwen festgehalten wird.

Wie im Beitrag davor erwähnt schleicht sich der Punkt zum Ende auch im Vorgänger ein, siehe Indien. Auch das Kapitel in der Burg besteht nur aus einer Handvoll Schauplätze. Ausgeglichen wird das aber nicht nur durch die wunderbare Grafik und den Detailreichtum, sondern auch dadurch, dass alle Orte mehrfach besucht werden müssen und gameplaymässig miteinander verbunden sind, um Item 1 hier einzusammeln und dort einzusetzen. In Lost Horizon 2 dagegen haben viele Orte nur einen einzigen Zweck. Am Bahnhof lässt man eine Münze vom Zug überfahren und leiht sich von einem Mechaniker einen Schraubenschlüssel, am Kreml kauft man am Kiosk Schokolade, im Vorraum stiehlt man eine Kurbel, im Hinterraum schraubt man einen Lüftungsschacht auf, durchs Labor kann man direkt durchstiefeln und im Verhörraum nimmt man ein Aufputschmittel aus dem Schrank. Es gibt einfach zu wenige Schauplätze, die zu wenig genutzt werden.

Nach der Befreiung Gwens erfährt Fenton endlich mehr zum Mysterium. Das Ziel des Abenteuers ist die Lage Asgards zu finden, wo die Sowjets eine übermächtige Energiequelle vermuten. Fenton, Anne und Gwen reisen daraufhin nach England, um einen führenden Wissenschaftler auf dem Gebiet der germanischen Mythologie und Runen zu finden, da dieser weiterhelfen könnte. Es folgt ein erneuter Charakterwechsel, diesmal übernimmt man die Rolle von Gwen, was keiner möchte. Während Fenton und Anne Nachforschungen anstellen, hört sich Gwen auf eigene Faust um.

Das Problem des vorherigen Kapitels mit seinem geringen Umfang wird hier auf die Spitze getrieben. Der gesamte Akt besteht lediglich aus der Uferpromenade der Küstenstadt und dem Pub, in dem Gwen warten soll. Zugegeben ist die Herangehensweise durchaus interessant. Gwen befragt die Passanten am Hafen und kommt dem Professor so Stück für Stück näher. Keiner kennt ihn, ein Fischer weiß aber, dass er einem Filmstar ähnelt, der vor einiger Zeit dort gedreht hat. Darauf angesprochen kann die kinobegeisterte Blumenverkäuferin den Namen des Schauspielers nennen, von dem ein Porträt im Pub hängt. Der Maler fertigt jetzt ein Bild von Gwen an, welches diese mit der Zeichnung aus dem Pub vertauschen kann und wenn man diese der Hundelady vor die Nase hält, die sich keine Namen, dafür aber umso besser Gesichter merken kann, erfährt Gwen endlich, wo der Professor zu finden ist.

Die Idee, ausschließlich durch Gespräche weiterzukommen, ist gar nicht schlecht und gelungen. Leider heißt das aber auch, dass die gesamte Episode innerhalb von wenigen Minuten beendet werden kann. Immerhin folgt daraufhin ein langes Gespräch mit dem Prof, der mehr Licht ins Dunkel bringt und dank Gwen, die einen bis dahin nie zuvor erwähnten Runenstein aus der Schatulle eingsteckt hat, seine alten Aufzeichnungen übersetzen und die Truppe zum nächsten Ziel schicken kann. Ah ja, und Fenton darf Tee kochen.

Die Spur führt die Gruppe im nächsten Kapitel zu den Ruinen eines Klosters, wo laut den Aufzeichnungen Thor selbst mit der Lage Asgards begraben liegt. Auch hier kommen die bisherigen Probleme zusammen (acht Orte, von denen fünf praktisch identische Mausoleen sind, kaum Interaktionsmöglichkeiten, extrem kurz...), sowie ein neues hinzu.

Fenton sucht den Zugang zu Thors Gruft und muss dazu ein Rätsel mit drehbaren Ringen lösen, indem er die dort abgebildeten Motive auf die Gräber der jeweiligen Heiligen ausrichtet. An sich ist das kein Problem. Mit dem Öl eines alten Campingkochers kann Fenton die Fackeln unter den Figuren der Schutzheiligen entzünden, so deren Namen und Titel lesen, durch individuelle Unterschiede der Mausoleen erkennen, wer wo begraben liegt und daraufhin den Ring mit dem Bild eines Löwen aufs Grab von Richard, des Mutigen ausrichten.

Die Glaubwürdigkeit geht hier aber komplett flöten. Die alte Ruine wird kaum jeden Tag von tausenden Touristen überrannt werden, aber das Rätsel ist so banal, dass es schlichtweg an den Haaren herbeigezogen ist, dass niemand im Lauf von Jahrhunderten dahintergekommen ist. Vor allem liegt das Rätsel aber einfach so direkt vor Fentons Füssen. Für gewöhnlich inegriert man sowas in die Umgebung oder Architektur, so dass nur jemand, der gezielt danach sucht, es auch findet. Oder man benötigt einen Schlüsselgegenstand, um den Mechanismus überhaupt erst zu aktivieren. Ein schönes Beispiel ist dabei Baphomets Fluch, wo George Stoppelbart in einer Kirche die Statue eines Tempelritters findet, der eine hohle Schriftrolle in der Hand hält. Schaut man durch, was sicher etliche Leute jeden Tag spasseshalber machen, sieht man "ein Stück eines Bleiglasfensters. Wow." Nur wenn man die in Syrien gefundene Kristalllinse, die ein wichtiger Teil des Mysteriums ist, vor die Rolle hält, verändert sich der Winkel und der nächste Hinweis enthüllt sich. Das ist cool und glaubhaft. Hier allerdings werden die Rätsel nicht mal versteckt, sondern liegen offen in der Weltgeschichte rum.

Das Finale des Spiels steigt schließlich in Asgard, welches sich in Island befindet. Einige Fragen werden aufgeklärt und Fenton muss die Kräfte Asgards wieder zum Laufen bringen, nur um im Anschluss daran direkt erschossen zu werden. Auch hier will kränkelt das Spiel durch zahlreiche Kleinigkeiten. In einer Ecke steht ein Höllenhund, den Fenton mit einer Signalrakete vertreibt. Das Bild zoomt auf Fenton, der die Hand hebt, es gibt ein zischendes Geräusch, ein Knurren ist zu hören, das Bild zoomt heraus und die Kreatur ist weg. Eine kurze Animation hätte nicht geschadet. An anderer Stelle muss Fenton sechs Säulen in einer bestimmten Reihenfolge berühren, auf die es keinen Hinweis gibt und gleich zu Beginn kann er das heilige Wasser aus dem Brunnen schöpfen, noch bevor er ihn reaktiviert hat. Zumindest Einsetzen kann man es aber nicht.

Das letzte Stück darf wieder Gwen übernehmen, die plötzlich auf den Wächter von Asgard trifft, der die bisherigen Ereignisse komplett ignoriert hat, ein Schieberätsel lösen und schließlich durch einen magischen Brunnen in die Vergangenheit reisen, um die Ereignisse aus den Prolog zu verändern. Das gelingt ihr aber auch erst im dritten Anlauf, weshalb dann auch drei Gwens rumlaufen.

Zu dem Moment endet das Spiel auch plötzlich. Gwen erwacht auf einer Blumenwiese, sieht Fenton vor sich stehen, sie fallen sich in die Arme...Ende.

Sehr wenige Schauplätze, kurze Kapitel, wenige Rätsel, die schlecht in die Umgebung integriert wurden...leider sind das bei weitem nicht alle Probleme, an denen Lost Horizon 2 leidet.

Obwohl fünf Jahre nach dem Vorgänger entwickelt ist die gesamte Präsentation auf einem deutlich schlechteren Niveau. Vor allem fallen die langweiligen und generischen Schauplätze ein. Während die im Erstling alle noch so voller Liebe und Details stecken sehen sie im Vorgänger aus, als hätte man die Hintergründe von einer KI (aus dem Jahr 2015) erstellen lassen. Auch die Objekte wirken wie aus einem Gratiskatalog und vom wunderbaren Stil des Vorgängers ist nichts mehr vorhanden.

Auch fehlen die Porträts der gerade sprechenden Charaktere, die es im ersten Teil auch für den unwichtigsten Menschen gab. Dieser hatte auch gern eingestreute Großaufnahmen auf die Protagonisten, wenn die gerade in einem Gespräch waren. Nur ein kleines Detail, was Konversationen aber deutlich lebhafter gestaltete und immer wieder den feschen Fenton in Groß zeigte. Davon ist hier nichts vorhanden, was vor allem bei NPCs auffällt. Der kleine Junge in Bayern, die Verkäuferin im Kiosk am Kreml, die Leute an der Uferpromenade, der Pilot in Island,...niemanden davon sieht man im Detail, wahrscheinlich gibt es nicht mal richtige Modelle. Auch fehlt der Small-Talk, der für viele NPCs so wichtig ist. Charaktere erzählen gern etwas von sich und wie es sie an den Ort verschlagen hat, an dem man sie gerade trifft, hier ist allerdings alles rein ergebnisorientiert. Die Verkäuferin verkauft nur Süssigkeiten, der Pilot erzählt nur von den Problemen am Hubschrauber, die man lösen muss,...niemand bereichert die Welt.

Auch die Qualität der Zwischensequenzen lässt zu wünschen übrig und aus irgendeinem Grund wirken die oft wie ein Video mit einer Auflösung von 360p, so wie Youtube, wenn das plötzlich und ungefragt runterschaltet.

Besonders erwähnen kann man übrigens noch die Items, den man wird ohne Ende mit Gegenständen erschlagen, die nie zum Einsatz kommen. Gelegentlich kann sowas in einem Adventure ja auftauchen. Ein Rätsel hat zwei Lösungen, man nimmt ein Objekt für Lösung 1 mit, wählt dann aber doch Lösung 2 und der Gegenstand versauert bis zum Ende im Inventar. Oder es ist von vornherein ein Spaß der Entwickler. in Baphomets Fluch 2 etwa ist eins der ersten Items, die George Stoppelbart findet, ein billiges Damenhöschen. Zwar kommt das direkt zum Einsatz, um einen heißen Gegenstand aufzugeben, die Buxe bleibt aber bis zum Finale im Inventar, damit George sie auch jeder Person mit unterschiedlichen Reaktionen zeigen kann. Die Glückskohle, die er in Marseille mitnehmen kann, hat überhaupt keinen Nutzen (abgesehen davon, mit einer Schleuder in den Orbit geschossen zu werden, damit man sie später wieder auf der Zombieinsel findet), aber auch hier kann er sie immer wieder vorzeigen und sich wie ein Kind über seine Glückskohle freuen.

Für gewöhnlich sind solche Items die Ausnahme, Lost Horizon 2 hat es aber permanent und durchgehend. Anne kann sich aus dem Automaten Bonbons ziehen, die sie nicht braucht (immerhin dienen sie als erfolgloser Bestechungsversuch für einen kleinen Jungen) und später im Wald einen Pilz mitnehmen, der nie zum Einsatz kommt. Fenton findet eine Stiefelbürste, muss seine Stiefel aber leider nie bürsten und weder die Mauerkelle noch der Hut, die er aus dem Müll zieht, finden Verwendung. Generell kann man direkt sagen, dass die Charaktere jedes Mal, wenn sie einen Schrank, eine Tasche oder sonstwas durchsuchen, drei Items mitnehmen, aber nur einer davon wichtig ist. Und in einem Spiel, in dem direkt und sofort gezeigt wird, ob Gegenstände verwendet werden können, kann man diese seltsame Entscheidung auch nicht damit begründen, das Spiel etwas komplexer gestalten zu wollen.

Hin und wieder müssen Gegenstände auch kombiniert werden, ohne den Sinn dahinter zu erkennen. Bei Anne etwa Plastiktüte + Drahtstück + Kiefernzapfen + Feuerzeug = aufsteigender Ballon. OK. Die Reihenfolge ist dabei sehr wichtig, Fenton etwa will nur Tee kochen, wenn man zuerst Wasser in die Tasse giesst und dann den Teebeutel hineinlegt. Probiert man's anders rum, weigert er sich, als ob man versuchen würde, nach dem Aufstehen erst die Stiefel und dann die Hose anzuziehen.

Übrigens funktionieren auch die Items nicht ganz fehlerfrei. Fenton trägt durchgehend ein Messer bei sich, eine Erinnerung an seinen Bruder, welches auch häufig zum Einsatz kommt. Ausgerechnet im Finale in Asgard, wo es nützlicher wäre als auf dem Kreml in Moskau, ist das Ding aber spurlos verschwunden. Und Gwen hat nach dem Gespräch mit der Blumenverkäuferin plötzlich deren Geldbörse im Inventar, die aussieht wie die von Fenton. Ein Bug ist es nicht, da man sie untersuchen kann und sich Gwen daraufhin wundert, wie das Ding in ihre Tasche kommt. Zurückgeben kann man sie aber nicht und kurz darauf ist das Ding auch wieder verschwunden, ohne je irgendeine Rolle gespielt zu haben.

Lost Horizon ist leider durch und durch ein Rohrkrepierer. Am besten lässt sich das Spiel mit einer biligen DVD-Fortsetzung eines Films vergleichen, die nur auf den Markt kam, damit man die Rechte am Original nicht verliert, wie dieser lustige Fantastic Four Film aus den 90ern und vielleicht aktuell das Sony Spiderman Universum ohne Spiderman.

Man hat die lange Pause von fünf Jahren zwischen den beiden Spielen. Das Spiel erschien damals recht kurzfristig, wurde nie großartig beworben und war irgendwann einfach da. Einsparungen an allen Ecken und Enden, ein sehr billiges Drehbuch ohne Überraschungen, billige Kamera ohne großartige Drehorte und geringe Qualität des Bildes, billige Special Effects, die einfach nicht gezeigt werden, billige Maske, deshalb keine Großaufnahmen der Charaktere und Gwen hast schlichtweg keine Gesichtszüge. Ganz ehrlich, unabhängig davon, dass ich Fenton im Erstling fesch fand und er jetzt mit Mitte bis Ende 40 eher meiner Altersgruppe entspricht, kann's nicht sein, dass man den Heldenpon im gesamten Spiel nur einmal aus der Nähe sieht.

Auch die Charaktere an sich fallen in Kategorie schnell hingeworfene Fortsetzung. Fenton als Heldenpon wäre hier der Schauspieler, für den das meiste Budget draufgegangen ist. Oder jemand, der sonst keine Rollen mehr bekommen hat bzw. jemand, der den Job nur für die Fans des ersten Teil übernommen hat. Der Zeitsprung von 20 Jahren kann deshalb gut als Ausrede genommen werden, um niemanden aus dem Erstling zurückzuholen. Wobei das aber eh nicht notwendig gewesen wäre und keiner von dort so wichtig war, dass er hier einen Auftritt gebraucht hätte. Abgesehen von einer Ausnahme...

So unsymphatisch ich sie auch finde, das Spiel erwähnt kein einziges Mal, was aus Kim geworden ist. Sie und Fenton sind am Ende des Vorgängers zusammengekommen und es ist mehr als nur klar, dass Gwen die gemeinsame Tochter ist. Kim glänzt aber komplett durch Abwesenheit. Gwen hat ein Medallion im Inventar und sagt nur mit neutraler Stimme "Ich vermisse Mama", aber Anne beispielsweise fragt nie nach, was mit ihrer Mutter passiert ist. Nur an einer Stelle, als die beiden allein sind, fragt Gwen, wann "Mom nach Hause kommt" und dass sie ihr fehle. Fenton daraufhin nur so "Ja, mir auch". Versteh da echt nicht, warum man keine Antwort liefert, wenn's eh angesprochen wird. Bin eigentlich davon ausgegangen, dass Kim halt irgendwann verstorben ist, wobei Gwen alt genug ist, um sowas zu wissen. Grad hab ich die Szene nochmal angesehen, da wirkt es eher so, als hätten sie und Fenton sich getrennt. Aber auch hier, die Tochter ist keine fünf....Nimmt man nochmal den Vergleich mit dem Film sieht es so aus, als hätte man Kim inklusive Photos komplett entsorgt, damit man ihr nichts zahlen muss. Fällt bei einem Spiel aber natürlich weg und die Situation totzuschweigen, obwohl direkt angesprochen, kann man halt schwer entschuldigen.

Wie erwähnt, Lost Horizon 2 ist durch und durch furchtbar. Gebraucht hab ich dafür sechs Stunden und elf Minuten. Bitte dabei bedenken, dass es der erste Kontakt war, beim Vorgänger, den ich bereits zweimal gespielt hatte und von dem ich noch jede Menge wusste, war es die doppelte Zeit. Die Beiträge hier sind übrigens auch falsch herum, den nach der Pleite mit Teil 2 habe ich im Anschluss erneut den Erstling gespielt, weil ich die Bauchlandung hier so nicht stehen lassen wollte...

Hey... habt ihr gewusst, dass neben Astro Bot noch ein weiterer fantastischer Plattformer diesen Monat erschienen ist?

Von Bakeru, dem neuen Spiel von Good Feel, die uns ja schon Kirby und das magische Garn, Yoshi´s Woolly World oder dieses Jahr erst Princess Peach Showtime gebracht haben... hätte ich nicht mehr erwartet, es je spielen zu können. Es kam schon letztes Jahr in Japan heraus und seither gab es eine sehr, sehr lange Zeit keine Ankündigung für den Westen. Direct für Direct hoffte ich auf eine Lokalisierung. Nichts kam. Dann plötzlich, nicht auf einer Direct, sondern einfach so, kündigten nicht Nintendo (was mich immer noch sauer macht), sondern Spike Chunsoft eine Veröffentlichung im Westen an, nicht nur für Switch, sondern auch für den PC. Keine deutschen Texte, keine physische Version (ich bin mir ziemlich sicher, wir hätten beides unter Nintendo bekommen, wie gesagt, ich bin SAUER auf Nintendo!!!), aber hier ist es.

Und gottverdammich... bin ich froh, dass wir es haben!

In Bakeru geht es um... Bakeru, einen Tanuki, der sich dank der Wandlungsfähigkeiten der Tanukis in einen Menschen verwandeln kann. Eines Tages findet er ein kleines Mädchen, Sun. Diese erzählt ihm, dass Japan in einer Krise steckt. Das Orakel Saitaro und seine Truppen möchten Japan mit übermäßigen und ausschweifenden Festivals unter ihre Kontrolle bringen! OH, NEIN, NICHT DIE FESTIVALS!!!

Das ist Bakeru... eigentlich ziemlich wumpe, da er aber Sun als Winzling auslache, schickt sein Großvater ihn zur Strafe auf die Reise, die drei großen Märchenhelden Japans ausfindig zu machen und mit ihnen an der Seite Saitaro aufzuhalten.

Und jap... es ist ein Plattformer-Plot, mit anderen Worten, mehr eine Ausrede, um uns durch verschiedene Stages quer durch Japan zu jagen.

Es ist schon eine recht süße Story insgesamt, bei der Bakeru selbst lernt, nicht auf andere herab zu schauen und der letzte Boss war in gewisser Weise sogar eine Überraschung. Nicht, WER es ist, sondern eher das Design.

Aber ja, es ist sicher nichts, woran man sich jetzt noch jahrelang erinnern wird.

Woran ich mich aber noch sehr lange erinnern werde, ist das Gameplay, spezifisch die einzelnen Stages.

Grundsätzlich erinnert das Spiel vom Aufbau an Mario 3D World (oder bestimmt auch an die alten Goemon-Titel, aber... die hab ich nicht gespielt, also...). Es ist also ein insgesamt linearer 3D-Plattformer mit Collectibles in den Levels verteilt, die zum Erkunden anregen sollen.
Im Fokus stehen dabei neben den Hüpfpassagen auch simple Kloppereien gegen eine Vielzahl an Gegner.

Die Kämpfe bestreitet Bakeru mit einer Taiko Trommel, genauer gesagt mit den Trommelstöcken. Das Kampfsystem ist dabei recht einfach gehalten. Ihr haut mit den beiden Schultertasten zu, welche je einer Hand von Bakeru zugeteilt sind. Am effektivsten verkloppt ihr Gegner, in dem ihr abwechselnd mit den Trommelstöcken zuhaut. Dazu gesellen sich noch ein paar Spezialmanöver. Ihr könnt z.B. einen Flächenangriff aufladen oder eine Mehrfachcombo mit dem linken, bzw. einen Zustechangriff mit dem rechten Trommelstick aufladen. Dazu gibt es noch einen Block, der auch als Konter fungiert, wenn ihr ihn rechtzeitig einsetzt. Soweit, so bekannt.

Was das Kampfsystem aber zusätzlich würzt, sind Bakerus "Henge"-Fähigkeiten. Wie gesagt, kann er sich als Tanuki verwandeln. Und jeder Held, den ihr auf eurer Reise trefft, gibt euch seine persönliche "Henge"-Lizenz, wodurch ihr seine Fähigkeiten nutzen könnt.

Zuerst hilft euch Sun. Mit ihrer Fähigkeit schrumpft ihr, wodurch ihr in kleine Lücken schlüpfen und mit einer Art Flatterflug euren Sprung erweitern könnt. Mit Kintaros Fähigkeit werdet ihr eine Art Sumoringer und haut langsam, aber extrem kräftig zu. Urashima Taro erlaubt euch durch durch zwei Angelruten einen schnellen Flächenangriff auf mittlere Distanz. Und Momotaros Henge-Fähigkeit spendiert euch zwei Pistolen einen Fernangriff. Jede der Henge-Fähigkeiten macht euch um einiges stärker (na ja, außer die Schrumpffähigkeit), aber ist an ein "Henge-Meter" gebunden. Das könnt ihr durch kleine magische Kugeln (ich hab deren Namen vergessen) wieder aufladen. Wenn das Henge-Meter komplett abläuft, könnt ihr kein Henge mehr einsetzen, logisch. Ihr solltet es also klug und in den passenden Situationen einsetzen. Dennoch bekommt ihr immer genug Kügelchen, sodass ihr nie allzu streng damit haushalten müsst. Ihr könnt es also beherzt, aber bedacht einsetzen.

Die Kämpfe sind echt spaßig. Wenn ihr Gegner mit euren Trommelstöcken haut, gibt es ein befriedigendes "DONG!", als würdet ihr damit wirklich auf eine Taiko-Trommel hauen, Gegner fliegen fröhlich durch die Gegend und verpuffen, wenn sie besiegt sind. Immer wieder führt das Spiel auch neue Gegner ein, bei denen ihr die richtige Taktik und vor allem die richtige Henge-Fähigkeit braucht, sodass die Kämpfe sich auch nie abnutzen. Es ist nicht das tiefgreifendste Kampfsystem, aber es trägt sich bis zum Schluss (und ehrlich gesagt ist das Trefferfeedback und das Spielgefühl deutlich besser als bei einem Visions of Mana, mal so nebenbei).

Das zu den Kämpfen. Bakerus Sprunfähigkeiten sind aber noch simpler. Er hat einen einzigen Sprung. Keinen Doppelsprung, kein Hechtsprung oder etwas anderes Schickes in der Art. Ein Sprung. Dafür gehört der Sprung zu der präziseren Sorte, ihr könnt ihn jederzeit problemlos in der Luft korrigieren. Vergleichen würde ich ihn etwa mit dem einfachen Sprung aus Mario 3D-World. Das klingt nach nicht viel, ist es auch nicht, aber die Levels machen dafür einiges wett.

Und ooooh, die Levels, endlich kann ich darüber reden, denn die sind definitv das Highlight des Spiels. Ihr habt 63 Levels in allen 47 Regionen Japans vor euch (ich glaube dem Spiel, dass dem so ist, denn ich habe nur ein extrem oberflächliches Verständnis von dem Land).

Die Levels sind wie gesagt recht linear, dabei wechseln sich sehr geradlinige Plattformpassagen öfter mal mit größeren Arealen zur Erkundung ab. In jedem Level gibt es drei Arten von Collectibles. Die Laternen sind das notwendige Collectible. Ihr müsst drei davon zerschlagen, um den jeweiligen Festivalturm (Bakerus Äquivalent zur Zielflagge) erobern zu können. Diese sind entweder ganz offen im Level, im Boden vergraben, in Objekten versteckt oder werden von Gegnern bewacht, die besiegt werden wollen. Sie sind nicht wirklich "versteckt", da ihr Leuchten unübersehbar ist und es gibt pro Level auch mehr als drei Laternen, sodass ihr einen kleinen Puffer habt, falls ihr mal etwas überseht. Sie sollen eigentlich mehr dafür sorgen, dass ihr nicht kopflos durch die Gegend rennt, sondern wenigstens etwas die Augen offen haltet.

Dann gibt es noch drei Souvenirs aus den Präfekturen sowie fünf... also das Spiel nennt sie "Scoops"... es sind kleine goldene Kackhaufenmaskottchen, wenn wir mal ehrlich sind... jedenfalls geben sie euch ein wenig Trivia. Seien es kleine Einblicke über Japan, euren Körper, die Tierwelt oder Essen, es sind ein paar interessante Fakten dabei. Dazu noch ein weiteres Collectibel, dass ich euch nicht verraten möchte.

Die Collectibles sind alle an und für sich echt schön, aber leider geben sie keine weitere Belohnung. Im Grunde sammelt ihr nur, um zu sammeln. Klar, als Plattformfan kann ich eh nicht ruhen, bis ich alles gesammelt habe und das Sammeln selbst ist auch sehr befriedigend. Aber eine zusätzliche Belohnung hätte dem Ganzen noch einen zusätzlichen Reiz gegeben!

Das mag zwar schade sein, aber das soll nicht davon ablenken, wie abwechslungsreich die Levels an und für sich sind! Jedes der über 60 Level hat eine komplett eigene Ästhetik und Atmosphäre. Klar, das Japan-Thema begrenzt die Möglichkeiten etwas, ihr werdet mehrere Berge, Strände oder Städte erkunden. Aber immer ist ein eigener Twist dabei. Einmal erkundet ihr einen Berg bei Sonnenschein, einmal ist es dort neblig, weil es überall heiße Quellen gibt. Einmal ist er verflucht und es gibt eine Gruselatmosphäre. Einmal dachte ich, das Spiel würde seine Waldlandschaft recyceln, nur, damit ich an einen kleinen, friedlichen See kam, über den ich dann hüpfen musste.

Und es ist nicht nur die Atmosphäre, die sich ändert. In regelmäßigen Abständen führt das Spiel auch neue Gimmicks ein wie Plattformen, auf denen Bakeru wie Sonic abgeht, verschiedene Formen von sich auflösenden Plattformen, schwankende Plattformen, unbesiegbare Gegner, die durch die Gegend rasen und einfach als Levelhindernisse dienen, irgendwann gibt es selbstscrollende Levels, manchmal ändert sich die Atmosphäre eines Levels auf einen Schlag... egal, wie weit ihr kommt, ihr entdeckt immer etwas Neues, es wird nie langweilig!

Und dazu kommen noch komplett neue Gameplayelemente. Recht früh im Spiel lernt ihr Browsby kennen, eine Art Roboterhund, der euch als Fahr- oder Flugzeug dient. Mit ihm absolviert ihr kleine Rennen oder Shoot-em-up-Passagen, die allesamt schön kurzweilig sind.

Und ihr nehmt auch an gewaltigen Kaiju-Roboter-Kämpfen teil!

DAS ist die große Stärke des Spiels. Es nutzt seine Thematik, die Erkundung Japans, perfekt aus. Es fühlt sich wirklich an wie ein kleiner Urlaubstrip durch das Land, ein Abenteuerurlaub, bei dem es immer etwas Neues zu entdecken gibt. Selbst für mich, die ich ja nur ein oberflächliches Verständnis dafür habe, ist das schon genial, für all diejenigen, die sich tatsächlich mit Japan und dessen Kultur auskennen ist das sicherlich ein feuchter Traum!

Auch die Präsentation ist sehr charmant, wenn auch nicht unbedingt besonders. Der Cartoon-Stil ist charmant und gefällig, ohne aber wirklich herauszuragen, die Musik ist sehr eingängig und versprüht feinstes Japan-Flair, wird aber auch nicht lange im Kopf bleiben.

Sorry, über die Präsentation habe ich nicht viel zu sagen, weder positiv noch negativ. Insgesamt gefällt es mir, ohne herauszuragen in diesem Punkt.

Kritikpunkte gibt es natürlich auch. Ich erwähnte ja schon die im Grunde nutzlosen Collectibles, was schade ist. Merkwürdig ist nur, dass das vierte Collectible sehr wohl Belohnungen für euch bereit hält. Aber ausgerechnet das ist sehr nervig versteckt und ihr müsst sogar selbst heraus finden, wo ihr diese Belohnung abholen könnt! Eine seltsame Designentscheidung.

Bakeru visiert Gegner automatisch mit seinen Angriffen an, was gerne mal dazu führen kann, dass er nicht den Gegner anvisiert, den er anvisieren sollte. Manchmal greift er auch lieber ein Objekt an, während ihr von Gegnern in die Zange genommen werdet. Das kommt nicht häufig vor, nicht so oft, dass es frustrierend ist, aber es kann schon nerven.

Die Kaiju-Kämpfe, die ich erwähnte, sind auch nicht so pralle. Ich weiß, dass riesige Roboter sich nicht unbedingt grazil über das Schlachtfeld bewegen und dass die Langsamkeit auch ein wenig die Wucht der Angriffe rüberbringt. Aber muss es denn DERMASSEN langsam und abgehakt vonstatten gehen? Die Gegner sind an und für sich ziemlich gut designt und erfordern auch Beobachtungsgabe, um sie effektiv auseinander zu gehen, aber Dynamik sieht definitiv anders aus!

Insgesamt sind die Bosse nicht gerade das Highlight des Spiels. Es gibt zwar viele von ihnen, aber nur wenige verlangen wirklich etwas von euch ab. Oft reicht es, in ihrer Nähe zu sein und auf sie einzudreschen, weil viele Angriffe auf die Distanz gehen und euch in der direkten Nähe nicht treffen können. Nur drei der Bosse, die nicht ein Roboterkampf sind, empfand ich als fordernd genug und einer davon war der ERSTE! Dann noch der letzte und einer gegen Ende, bei dem man gegen zwei Gegner auf einmal antritt.

Insgesamt könnte man das Spiel sicher als zu leicht empfinden. Good Feel waren noch nie für eine hammerharte Herausforderung bekannt und hier ist es nicht anders. Von all ihren Spielen ist das sicherlich noch das Schwierigste, aber das sagt nicht viel. Immerhin, ein paarmal bin ich doch gestorben und hin und wieder wurde es auch knapp. Für mich war das Spiel genau richtig im Schwierigkeitsgrad, aber wer gerne von seinen Spielen richtig gefordert werden möchte, sollte sich woanders umsuchen.

Aber das soll dem Spiel keinen Zacken aus der Krone brechen. Bakeru ist ein fantastischer Plattformer, den sich gerade Japan-Fans auf keinen Fall entgehen lassen sollten! Es hat ne Menge Abwechslung, spielt sich flüssig und knackig, die Kämpfe machen Spaß und es hat fast schon eine Art Urlaubsflair, was es fast schon zu einem Cozy Game macht.

Klar, ich bin mir sicher, dass Astro Bot vieles noch besser macht und ein Highlight nach dem nächsten abbrennt. Trotzdem solltet ihr Good Feels neuestes Abenteuer keinesfalls unterschätzen! Es mag kein Meisterwerk sein wie das von dem kleinen Roboter, aber es ist ein verdammt starker Plattformer, der definitiv mehr Aufmerksamkeit verdient, als er mit dieser Konkurrenz leider bekommen wird!

Also, fallst ihr keine PS5 euer Eigen nennt, nach Astro Bot noch ein feines, wertiges Desser möchtet (oder eine kräftige, schmackhafte Vorspeise) oder einfach eine Roboter-Aversion habt wie gewisse Leute hier im Forum... lasst euch das Spiel nicht entgehen.

Dieser Trip nach Japan lohnt sich auf alle Fälle!!!

#20/2024

An sich gibts nicht so super viel zu erzählen, weshalb ich auf die Kategorien diesmal verzichten.

Die Geschichte besteht nur daraus, dass Anya als Hausaufgabe ein Tagebuch führen muss, uns sich dazu entschließt ein "superdupercooles" Tagebuch zu schreiben!

Dazu geht sie auf viele Ausflüge und das wars.

Beim Gameplay gibts ebenfalls nicht viel zu erzählen, da es hauptsächlich aus Text bzw. Dialogen besteht. Dazu gibt es optionale Minispiele und man kann in jeder Szene bisschen rumlaufen. Allerdings mit nichts wirklich interagieren, außer den paar Storypunkten.

Letzten Endes spielt es sich wie folgt:

Szene Morgen:

Anya wacht auf. Hier hast du die Möglichkeit mit Paps, Mom und Hundi zu sprechen. Mehr nicht.

Interagierst du mit der Tür gehts in die Schule. (Später kann man die sogar überspringen)

Szene Schule:

Diesen variiert ein klein bisschen, was den Raum anbelangt. Hier gibt es drei, die immer durchwechseln. Letzten Endes ist es aber egal, da es eh nichts groß zum interagieren gibt.

Es gibt 5 NPCs zum sprechen. (in der ganzen Schule) Zwei davon sind unwichtig und nur die dummbratzigen Handlanger von einem. Die anderen sind neben dem Typ, noch Anyas Freundin und der Lehrer. Diese drei kann man lvln durch die Dialoge. Bei jedem Level Up gibts eine besondere Sequenz.

Davon hab hat man immer 2 Aktionspunkte zur Verfügung. Es gibt in der ganzen Schule verschiedene Punkte, mit denen man dann doch mal interagieren kann, um von dieser Situation ein Foto machen und ins Tagebuch kleben zu können. Dies ist also Storyrelevant das Kernelement des Gameplays, wenn man so will.

Außerdem sorgt dies für "Geistesblitze", die man braucht um Minispiele zu spielen, (oder diese zu überspringen) um SP zu sammeln, mit denen man sich im Laden Outfits und Gegenstände kaufen kann.

Szene zurück zu hause bzw. vorm Abendessen:

Das selbe wie am Morgen. Jedoch gibt es manchmal einen Gast. Entweder Mams Bruder oder eine Spionin, die in Paps verknallt ist. Und damit hätten wir auch alle im Spiel verfügbaren Charaktere abgehakt. Jop, mehr gibts tatsächlich nicht. Seltsamerweise nicht mal den Wuschelkopp ausm Anime.

Die kann man aber, wie in der Schule leveln für spezielle Szenen.

Dann kommt das Abendessen was... nicht mal ein Bild bekommen hat und direkt zur Szene nachm Abendessen rüber springt.

Hier gibts wieder die Familiendialoge, die gerne mal die selben sind, wie vorm essen. Außerdem gibts nun das Tagebuch, worüber man Minispiele absolvieren kann. Hier gibt es eine Menge.

Dann gehts zu Bett und am nächsten Tag geht alles wieder von Vorne los.

An jedem dritten Tag gibt es zusätzlich bzw. anstelle der Schule, einen Ausflug. Hier kommt das spannendste.

So gehts zum Park, Strand, Resort, Hundepark etc. Wo man hin will kann man selber zu Beginn jedes Drei Tage Zyklus bestimmen. Doch muss man die Orte erst nacheinander freischalten.

Zu jedem Ort kann man drei Gegenstände mitnehmen, die man im Laden einmalig kaufen kann. Diese findet man dann irgendwo am jeweiligen Ort.

Ist man am Ort angekommen gibt es jeweils 7 Punkte zum interagieren. Hier kann man wieder Fotos machen. Einen bekommt man jedoch erst, wenn man mit allen drei gekauften Gegenständen Fotos gemacht hat.

Das Ding dabei: Man hat immer nur zwei Aktionspunkte pro Ausflug. Den Special Place kriegt jedoch auch "Aktionspunktlos". Somit muss man dreimal jedes Level besuchen, um alle Fotos mitzunehmen.

Bei den Fotos gibt es drei Dinge zu beachten:

1. den Fokus scharf stellen

2. den richtigen Kamerawinkel finden

3. auf besondere Animationen warten.

Jedes der Drei wird mit einer unterschiedlich farbigen Umrandung dargestellt. Also sobald der Punkt getroffen ist. Letzten Endes ist es zwar egal fürs durchspielen aber es erhöht die Menge an Geistesblitze, je besser die Fotos sind.

Davon ab kann man natürlich noch mit seiner Familie da sprechen. Manchmal, aber recht selten, findet man auch Moms Bruder irgendwo rumsehen.

Weitere NPCs gibts selten und wenn sind die gesichtslos, im wahrste Sinne des Wortes.

Naja und dann gehts zurück, man bestimmt das nächste Ziel und dann geht alles von Vorne los.

Es bleibt also recht simpel und repetitiv.

Die Minispiele dagegen sind ziemlich abwechselnd. Von Bowling, über Karten spielen, bis hin zu Missionen von Mum oder Paps, wo man Gegner wegschnetzeln muss oder Kunstobjekte klaut.

Das ist ziemlich cool und macht spaß. Leider hat man es bei einigen etwas zu gut gemeint mit der Länge, weshalb die schnell ihren Reiz verlieren.

Dennoch sind die Minispiele eine der Pluspunkte des Spiels.

Wenn man kein Bock drauf hat, kann man sich auch einfach "erinnern" per Knopfdruck und tauschte seine Geistesblitze dann gegen SP direkt ohne ein Minispiel machen zu müssen. Doch gibt es dann weniger SP.

Und das war eigentlich alles, was das Spiel bietet.

Bei Spy x Anya handelt es sich um ein ziemliches Low Budget Spiel, welches einem stets das Gefühl gibt, nur das nötigste gemacht zu haben. Ichfürchte hier gab es einfach viel zu wenig Zeit. Diese nutzte man dann eher, um die Optik, die wirklich gut gelungen ist, sowie den Animation zu verbessern. Das Spiel versprüht auch viel Charme. Anya ist herzallerliebst, genau wie ihre Familie.

Die Musik ist gelungen, die Syncho ausgezeichnet.

Es macht spaß die Dialoge zu führen. Leider wiederholen die sich irgendwann zu oft und sind zu zusammenhangslos.

Ist Spy x Anya ein gutes Spiel? ... Würde ich so nicht zwingend sagen.

Ist es ein schlechtes Spiel? ... Kann ich nicht behaupten.

Bin ich vom Spiel enttäuscht? ... Leider schon.

Bin ich zufrieden mit dem Spiel? ... Irgendwie ja.

Man merkt vielleicht... Es ist schwierig das Spiel wirklich zu bewerten. Objektiv segelt es komplett am Existenzminimum entlang.

Doch subjektiv gibt es mir auch irgendwie das, was ich mir vom Spiel erhofft hab. Ein kleines charmantes wholesome Abenteuer, welches einem zum lächeln bringt.

Doch änderts natürlich nichts daran, dass einfach viel zu viel fehlt. Gerade so ein Spiel braucht Interaktionen. Wenn da eine Fotowand steht, lasst mich diese nutzen! Wenn da eine Rutsche ist, lasst mich rutschen! Was auch immer und seis nur so als Detail!

Bereuen tue ich den Kauf definitiv nicht. Für mich hat es sich komplett ausgezahlt. Aber empfehlen kann ich es nun auch nicht wirklich. Man sollte sich informieren und wissen, worauf man sich einlässt, dann kann man seinen spaß damit finden. Gerade wenn man Fan der Vorlage ist und einfach mehr Anya-Power haben will.

Allerdings ist es eh ratsam, wenigstens die ersten Folgen des Anime zu kennen. Das Spiel erklärt einem nämlich nichts. Nicht was es mit Anya, ihren Eltern oder sonst was auf sich hat. Ich kannte den Anime zuvor nicht und musste mir selber alles zusammenschustern, wie was wo zusammenhängen könnte. Inzwischen habe ich den Anime aber angefangen zu schauen und beriets nach Folge 1 gab es einige "Aha!" Momente.

Negativ anzumerken ist wieder mal die deutsche Lokalisationsabteilung bei Bandai. Insgesamt ist es ok. Aber dann gibts plötzlich son groben Fehler, dass man "Hamburger" mit "Königsberger Klopse" übersetzt hat. ... ... Dabei gibt es sogar eine Szene, wo man die Hacksteaks SIEHT, die als "Königsberger Klopse" bezeichnet werden... ... ...

Das ist ein wirklich extrem unnötiger Fehler.

Ach ja es gab auch einen Absturz und einen Freeze. (was bei so einem extrem simplen Spiel wirklich traurig ist)

Wie ichs bewerten soll, weiß ich noch immer nicht, weshalb ichs billo mache und einfach die gesamte Spannbreite angebe, in der irgendwie alles passen würde, je nachdem... xD

Herr Stoppelbart, bitte!

George Stobbart schlägt zurück war damals tatsächlich der indirekte erste Kontakt, den ich mit der Serie hatte. In irgendeiner Zeitung einen kurzen Artikel mit zwei, drei Bildern gesehen fand ich's total genial und war hin und weg. Trotzdem setzte sich das deutsche Ordnungsbewusstsein durch und die Reihe startete ich mit dem Erstling, die vorliegende Fortsetzung dürfte relativ kurz danach gekommen sein, also Ende der 90er.

Lang lag die Reihe in der Steam Bibliothek, aber weil ich vor einigen Jahren das furchtbare Remaster des ersten Teils im Sommerurlaub dahoam gespielt hatte, wollte ich es mit dem Nachfolger ähnlich handhaben und hatte den kurzfristig angeworfen.

Knapp ein halbes Jahr nach dem Erstling fällt Nico beim Versuch, einen Drogendealer zu überführen, ein Mystery-Stein der Maya-Kultur in die Hände. Als sie zusammen mit George einen Experten aufsuchen und befragen will, wird sie prompt entführt und George wird auf die Bretter geschickt. Der folgt der Spur nach Marseilles und anschließend mit Nico nach Südamerika, um aufzudecken, was hinter all dem steckt und findet sich bald im Zentrum einer Prophezeiung, die natürlich mit nichts anderem als dem Weltuntergang endet.

Man sieht schon, dass die Handlung in eine andere Richtung als der Vorgänger geht und selbst heute noch, bald 30 Jahre später und mit drei Nachfolgern, hat Teil 2 eine gewisse Sonderrolle. Der Erstling war ein Mystery-Thriller mit Elementen von Abenteuern, erst unmittelbar zum Schluss kommt ein Hauch Übersinnliches dazu. Teil 3 und 4 gehen zwar offener mit der Thematik um und lassen George etwa gegen einen ausgewachsenen Drachen antreten, so stark ins Übernatürliche wie der zweite Teil ging aber keine Episode mehr.

Die Halbzeit stellt hierbei einen Wendepunkt dar, denn George erfährt endlich das Geheimnis des Maya-Steins, der alles ins Rollen gebracht hat. Neben diesem gibt es noch zwei weitere, im Lauf der Geschichte verloren gegangene Artefakte, die zusammen einen finsteren Maya-Gott im Zaum halten können, der ansonsten aus seiner Verbannung entkommen und die Welt in Dunkelheit stürzen wird. Optimalerweise sind's bis zum Tag X nur noch gut zwei Wochen und der depperte Drogenbaron erhofft sich natürlich einen Platz ganz vorn.

George und Nico trennen sich an dieser Stelle, was für den Spieler eine zweigeteilte Erzählweise bedeutet. So ganz optimal umgesetzt war die aber damals schon nicht.

Während George in die Karibik reist, sich mit den biestigen Nachfahren eines Piraten, einem verschlagenen Landvermesser, dem obligatorischen frechen Bengel und einem Vielleicht-Geistermädchen auseinandersetzen muss, um sich anschliessend durch die naheliegende Zombie-Insel zu schlagen und mitten in die Dreharbeiten einer billigen Version der Schatzinsel zu platzen, die er pflichtbewusst sabotiert, um so selbst eine Rolle zu bekommen und den verlorenen Schatz = Zauberstein zu finden,....geht Nico einfach in London ins Museum, wo der gesuchte Stein gleich rechts im Bild in einer Vitrine liegt.

Optimal aufgeteilt ist das natürlich nicht und schon der damals 13, 14-jährige Chibi-Fangfried fand's ein bisschen leicht gelöst, sollte das Ding doch eigentlich seit Jahrhunderten spurlos verschwunden sein, aber auch egal. Letzten Endes will man sowieso mit George spielen, da kann man drüber hinwegsehen, dass die Nico-Episode nur aus vier Bildern besteht. Dafür gibt es in diesen Szenen einige wichtige Hintergrundinfos und den Großteil des Finales übernimmt man wieder die Rolle von Frau Collard, während George auf einem Maya-Altar geopfert werden soll.

Selbiger kommt im Spiel eh kaum zum Durchatmen, wie der Vorgänger und später der Nachfolger findet sich George noch im Intro in tödlicher Gefahr. Während er im Original in eine Bombenexplosion gerät und im dritten Teil das Flugzeug, in dem er unterwegs ist, im Dschungel abstürzt, wird George bewusstlos geschlagen und findet sich kurz darauf in einem brennenden Haus an einen Stuhl gefesselt wieder, während eine tellergrosse Giftspinne langsam auf ihn zukommt. Cool.

Im Gameplay hat man ein typisches Adventure und gerade der Vergleich mit dem 13 Jahre später veröffentlichten Lost Horizon, dass ich parallel dazu gespielt habe, zeigt, dass Baphomets Fluch 2 dann doch noch zur alten Garde gehört.

Items müssen konsequent miteinander verwendet werden, um ein Ergebnis zu erzielen, während moderne Spiele sofort zeigen, ob eine Kombination überhaupt möglich ist oder nicht. Georges "Das geht so nicht" oder "Das macht keinen Sinn" oder "Das wird nicht funktionieren" in all seinen Varianten wird man also durchgehend zu hören bekommen und auch wenn vieles nachvollziehbar ist, gibt es doch die ein oder andere Stelle, die man wohl nur durch Ausprobieren lösen wird (Steinstatue auf Wasserrad benutzen, um einen Laufhaufen in Brand zu setzen und den Orgel spielenden Dschungel-Priester auszuräuchern).

Im Nachhinein weniger Sinn macht der typische Adventure-Move, so ziemlich alles mitzunehmen, was irgendwie nützlich werden könnte und das teilweise das gesamte Spiel hindurch mit sich herumzuschleppen. Eins der ersten Items, das George mitnimmt, nachdem er sich von seinen Fesseln befreit hat, ist....ein Tequila-Wurm, an dem er sich fast verschluckt. Das Ding trägt George daraufhin konsequent durch halb Paris, nach Marseille, packt es ins Gepäck, als es nach Südamerika geht und hat den Wurm noch in der Karibik in der Tasche, wo er ihn endlich einem angelnden Jungen als Tausch gegen einen Fisch geben kann.

Auch da hat sich das Genre inzwischen weiterentwickelt und moderne Helden wie ein Fenton Paddock neigen dazu, ihr Inventar aufzuräumen, wenn eine große Reise ansteht.

Nichtsdestotrotz passt es aber zu George, jeden Blödsinn um die halbe Welt zu tragen, da er sich nach dem Original ein gutes Stück weiterentwickelt hat. Damals war er noch der normale Mensch von nebenan, der zufällig in das Mysterium um die Templer gerät und eben nicht immer irgendeinen Kommentar parat hat, sondern glaubhaft auftritt, ohne langweilig zu sein.

Im zweiten Teil ist er deutlich entspannter und reagiert sehr viel lockerer, was sich schon an seiner gelassenen Haltung zeigt. Grad im Vergleich zum Erstling, wo er oft pfeilgerade wie ein Soldat zum Apell da steht und was in der kommenden Neuauflage in HD noch unnatürlicher aussieht. Hier und da kann er sich einen ironischen Spruch nicht verkneifen, besonders deutlich wird das auch gern dadurch, wenn er im Anschluss an sämtliche Gesprächsthemen die Items auspackt und jedem ein billiges Damenhöschen zeigen, Hundekuchen als Kekse verkaufen oder wie ein Kind mit seinem Stück Glückskohle prahlt, woraufhin die Leute natürlich entsprechend reagieren.

Bezeichnend ist auch der Versuch, mit einem Häftling zu sprechen, wofür Nico die Wachen ablenken muss...was dann plötzlich durch eine Verstrickung unterschiedlicher Ereignisse in einem Ausbruch endet. Nico findets nicht so cool.

Die Entwicklung von George wird übrigens in genau die Richtung weitergehen und im vierten Teil leider oft übers Ziel hinausschiessen, bis er im Sündenfall dann tatsächlich eher ruhiger und reifer auftritt.

Sehr schön am Spiel, und auch da merkt man die alte Garde, ist, dass es für praktisch jede Aktion eine eigene Animation gibt. Viel verstehe ich davon nicht, aber da hat man sich echt noch Arbeit gemacht. In vielen aktuellen Adventures (und leider auch in Lost Horizon) streckt der Heldenpon in immer der gleichen Bewegung einfach den Arm aus, wenn er ein Item mitnehmen oder benutzen will, welches daraufhin ohne Animation ins Inventar verschwindet oder an Ort und Stelle auftaucht.

Der Herr Stoppelbart legt da noch Wert aufs Detail. Wenn er sich eine Liane vom Baum pflückt zieht er die herunter, faltet sie zusammen und schiebt sie sich in die Tasche, bevor er sie zu einem späteren Zeitpunkt wieder herauszieht, auseinandernimmt und um einen Felsen wirft. Als das ist animiert, obwohl es nur eine kurze Szene ist, die einmal und nie wieder Verwendung findet. Ich fands schön.

Ansonsten hat sich am Remaster erfreulich wenig im Vergleich zum Erstling geändert, bei dem die Frischzellenkur leider ein gehöriger Schuss in den Ofen war.

Ich war schlichtweg entsetzt, wie schlecht die Umsetzung war und wie oft die Pixel flimmern, wenn das Bild scrollt. Der absolute Todeshieb waren aber die zahlreichen Kürzungen unwichtiger, aber charmanter Details. Konnte man im Original noch jedes Item im Inventar zeigen, wurde dies im Remaster auf nur noch handlungsrelevante Gegenstände beschränkt, wodurch viele interessante und oft witzige Gespräche verloren gingen. ("Ooooh, ein Komödiant!"). Auch wurden etliche Objekte schlichtweg deaktiviert und so zu einfacher Deko degradiert, etwa die Patienten im Hospital.

Das vorliegende Remaster fasst die Originalversion nicht an und bietet praktisch ein 1:1 Erlebnis. Der einzige Unterschied, der mir aufgefallen ist (neben einer Handvoll Erleichterungen wie einer Rätsellösung), sind die Charakterportraits, die in Gesprächen eingeblendet werden. Immer noch ein sehr schönes Detail und auch die unwichtigen Verkäufer auf dem Markt im Hafen, die nur zwei Wörter Englisch sprechen, haben Bilder bekommen. Und der General hat immer noch so große Zähne.

Sonst gibt es noch die Option, die originale, neue oder verbesserte Darstellung zu wählen, die ich aber nicht verstanden habe. Nur das Original ist Vollbild, der Rest im Fenstermodus und ich weiß nicht, wer das freiwillig wählt.

Ein schönes Detail ist übrigens, dass man jederzeit nicht nur die Texte in die fünf Standard-Sprachen wechseln kann, sondern sogar die jeweiligen Synchros mitgeliefert werden. Sehr cool zu hören, wie sich die japanischen Gackerhühner in anderen Versionen anhören. Die deutsche Fassung ist übrigens die einzige, in der Nico nicht mit französischem Akzent spricht und überhaupt kommt die hier etwas abgeklärter rüber. George dagegen klingt bei uns oft gelassener und ein kleiner, aber irgendwie dann doch großer Unterschied ist, dass er in allen Fassungen in der Vergangenheit beschreibt, wenn man etwas untersucht, als würde er die Geschichte nur erzählen, während die deutsche Version fast immer im Präsens bleibt, was auch einfach deutlich glaubhafter wirkt.

Ein kurzer Minicomic wurde dem Remaster übrigens wie schon dem Vorgänger spendiert, der zeigt, wie Nico sich in eine Drogenübergabe einmischt und so überhaupt erst den Maya-Stein bekommt. Ein schönes Extra, da die entsprechende Szene ansonsten fehlt und Nico nur kurz erwähnt, wo sie das Ding her hat.

Was neues ich übrigens auch gelernt, es hat über 25 Jahre gedauert, bis ich erfahren habe, dass George gleich in der ersten Szene sterben kann, wenn er auf dem Stuhl gefesselt sitzt. Nach ein, zwei Minuten springt ihm plötzlich die Spinne ins Gesicht, herzlichen Glückwunsch ---> tot.

Die Sterbeszenen an sich wurden diesmal beibehalten, nachdem sie in der Neuauflage des Vorgängers rigoros entfernt wurden. George weigert sich da schlichtweg, in eine offensichtliche Falle zu laufen. Hier geht's noch, allerdings dürfte es im ganzen Abenteuer auch nur drei Stellen geben, die zu einem Ableben führen.

Und abgesehen von der Giftspinne hab ich diesmal zum ersten Mal bemerkt, dass die kleine Emily wahrscheinlich tot und ein Geist ist. Leck mich fett, irgendwie hab ich das nie bemerkt...

Spass macht das Spiel immer noch, vor allem mit dem entspannteren George, insgesamt fand ich's damals und auch heute noch ein Stück schwächer als den Vorgänger. Das fushigi mystery um den Schatz der Templer hat mich einfach mehr gefesselt als die Geschichte um einen bitchigen Maya-Gott und auch das insgesamt eher städtische Setting des Erstlings gefiel mir deutlich besser.

Spielen darf man Teil 2 aber dennoch, wobei inzwischen aber eh jeder Abenteurer die Reihe kennt.

Bin gespannt, wann ich zum schlafenden Drachen und George in feschem 3D komme. Freu mich drauf, dass gab es damals zu Weihnachten für die PS2 mit ewig langen Ladezeiten, drei Jahre möchte ich da nicht wieder verstreichen lassen. Aber wahrscheinlich kommt Teil 6 dann doch eher...

Gebraucht etwa eine Woche, darauf verteilt nicht ganz neun Stunden, aber obwohl der letzte Durchgang mindestens 20 Jahre her ist war noch sehr viel im Hirn präsent.

Jack Jeanne [NS] (52,5h)

Jack Jeanne hat mein Interesse vor allem mit der Genre-Kombination aus Visual Novel (bzw. Otome-Visual Novel) und Rhythm-Game geweckt. Ich spiele nun schon seit einigen Jahren fast jedes Jahr eine Otome-Visual Novel, allerdings kenne ich primär die Genre-Vertreter von Idea Factorys Entwicklerstudio Otomate. Rhythm-Games spiele ich ebenfalls sehr gerne – eingestiegen bin ich damals mit den Persona Dancing-Spielen –, aber irgendwie gibt es leider nicht besonders viele Rhythm-Games, die mich ansprechen, obwohl ich das Genre sehr mag (Theatrhythm Final Fantasy: Curtain Call und KH: Memories of Melody habe ich inzwischen aber auch nachgeholt). Die Kombination klang für mich jedenfalls sehr reizvoll und das Spiel landete prompt auf meiner Wunschliste und dann auch irgendwann auf meinem Backlog. In Anbetracht dessen, dass es erst im letzten Jahr im Juni erschienen ist, lag es dort aber erfreulicherweise nicht allzu lange, weil ich so neugierig war Entwickelt wurde Jack Jeanne von dem japanischen Studio Broccoli, das – soweit ich weiß – auch einen kleinen Visual Novel-Schwerpunkt hat, allerdings muss ich zugeben, dass ich zuvor noch nichts von ihnen gelesen hatte.

Jack Jeanne erzählt die Geschichte von dem siebzehnjährigen Mädchen Kisa Tachibana, die bereits seit jüngster Kindheit eine Passion für Theater hat und oft mit ihrem älteren Bruder Tsuki und ihrem Freund Sou geschauspielert hat. Ihr Bruder Tsuki verfolgte seine Theaterleidenschaft weiter und bewarb sich als Jugendlicher bei Univeil, einer renommierten, dreijährigen Theaterschule, die ihn schließlich auch aufnahm und die er erfolgreich absolvierte. Kisa selbst hegt denselben Traum, doch Univeil ist eine reine Jungenschule – ihr als Mächen bleibt dieser Weg also verwehrt. Doch eines Tages begegnet sie durch Zufall dem Schulleiter eben dieser Schule vor einem Schrein und stellt sich ihm als Kisa Tachibana, Tsukis Schwester, vor. Da das Talent ihres Bruders an der Schule legendär war, erweckt auch Kisa schnell das Interesse des Schulleiters – und letztlich bietet er ihr an, als Schüler bei Univeil vorzusprechen. Die Voraussetzung, dass sie bleiben darf, ist aber, dass sie ihr Geschlecht vor ihren Mitschülern verbergen muss. Kisa stimmt diesen Bedingungen zu – und so beginnt ihr Leben an der Univeil-Theaterschule. Die Schule selbst ist in 4 verschiedene Klassen aufgeteilt, die alle unterschiedliche Schwerpunkte haben und miteinander konkurrieren. Kisa selbst wird Quartz zugeteilt, einer Gruppe aus „All-Roundern“.

Eigentlich bin ich eher für historische oder phantastische Visual Novels zu haben und weniger für Slice of Life, insofern lag Jack Jeanne etwas abseits meines typischen Interessenbereichs, aber da ich in Kisas Alter selbst in der Theater-AG meiner Schule war und wir auch eine Aufführung vorbereitet haben, war ich inhaltlich auf alle Fälle trotzdem interessiert und konnte auch in vielerlei Hinsicht „relaten“. Hinsichtlich der Struktur von Jack Jeanne wiederholt sich dasselbe Muster im Endeffekt immer wieder: Ein neues Theaterstück wird vorgestellt, die Rollen werden aufgeteilt, die Gruppe trainiert und begegnet dabei immer wieder neuen Herausforderungen und Problemen. Am Ende steht schließlich der große Auftritt, bei dem es jeweils ein klassenübergreifendes Ranking gibt: Einerseits wird die Performance an sich geranked, andererseits gibt es für jeden Jahrgang individuelle Performance Awards für einzelne Spieler (Gold, Silber, Bronze). Welchen Rang man hier erreicht, ist ausschließlich von den Rhythm-Game-Passagen abhängig, die man einerseits während der Vorbereiungsphase übt und andererseits während des großen Auftritts vorführt.

Bevor ich zu Story, Charakteren etc. komme, möchte ich noch kurz etwas zu den Rhythm-Game-Elementen sagen: Mir persönlich hat dieser Aspekt des Spiels viel Spaß gemacht und auch, wenn das nicht der Schwerpunkt des Spiels ist und diese Elemente nur sporadisch vorkommen, fügt es sich gut in das Gameplay ein. Die Lieder sind zum Teil richtig catchy, ich hab einige auch außerhalb des Spiels noch viel beim Arbeiten gehört Es gibt im Übrigen zwei verschiedene Arten von Rhythm-Game-Passagen, die Tanz- und die Gesangs-Passagen. Bei ersteren muss man im Rhythmus 4 verschiedene Knöpfe drücken, während man bei den Gesangs-Passagen im richtigen Moment nach rechts oder links klicken muss. Unterm Strich fand ich letzteres ein bisschen einfacher, aber im Endeffekt war beides gut machbar. Es gibt drei Schwierigkeitsgrade (Normal, Hard, Expert) und ich habe die meisten Lieder auf Hard ohne Probleme mit dem höchsten Ranking geschafft. Später kann man auch noch einen höheren Schwierigkeitsgrad freischalten, den man vom Hauptmenü anwählen kann, allerdings habe ich mich damit zugegeben nicht besonders viel beschäftigt. Auch die Animationen im Hintergrund waren wirklich gut gemacht, auch wenn man während des Spielens in der Regel keine Zeit hat, darauf zu achten haha. Ich hab mir die Choreografien dann zum Teil noch auf YouTube angeschaut

Nun zu den Kernaspekten des Spiels: Story, Story-Telling und Charaktere. Mir persönlich haben all diese Elemente wirklich gut gefallen. Das Writing ist meiner Ansicht nach wirklich gut gelungen und es macht Spaß zu sehen, wie die Gruppe sich kennenlernt und langsam zusammenwächst. Die internen Dynamiken funktionieren sehr gut und am Ende mochte ich jeden der Hauptcharaktere wirklich gerne, auch wenn ich nicht jedermanns Romance-Route mochte – dazu gleich mehr. Auch die verschiedenen Theaterstücke haben mir gut gefallen. Insgesamt muss ich aber auch sagen, dass ich Jack Jeanne nicht in erster Linie als Otome-Visual Novel empfunden habe – einfach insofern, dass ich die Romanzen hier als nicht so vordergründig wahrgenommen habe. Die Common Route, die bei anderen Otome-Games oft nur einen Bruchteil des Spiels ausmacht, ist hier sehr, sehr lang und umfasst ca. 4/5 des Spiels. Nur das allerletzte Fünftel – der letzte Auftritt – ist routenspezifisch, wobei dazu gesagt sei, dass das Theaterstück dasselbe bleibt.

Insgesamt gibt es sechs Love Interests, wobei jeder eine Affection-Leiste hat, die sich zum Beispiel erhöhen lässt, wenn man Zeit mit dem Charakter verbringt oder eine Antwortoption wählt, die dem Charakter gefällt. Jedem ist zusätzlich ein Statuswert zugeordnet, den Kisa über das Spiel hinweg trainieren kann (bzw. muss). Dazu gehören z.B. Agility, Drama, Voice usw. Ich dachte anfangs, dass die Werte auch für die individuelle Performance wichtig sind, aber sie sind tatsächlich rein für die Love Interests wichtig. Man kann (und sollte) sich also ganz auf einen Wert konzentrieren, sonst erreicht man das Maximum bis zum Ende nicht. Das ist mir leider beim ersten Mal passiert, sodass ich nochmal ein Stück zurückgehen musste, um den Wert zu maximieren, auch wenn es zum Schluss nur ein Unterschied zwischen „Good Ending“ und „True Ending“ war. Gerade die letzten paar Level dauern jedenfalls wahnsinnig lange, insofern kann ich nur empfehlen, nichts anderes zu leveln, bis man den einen Wert auf Maximum hat. Eine weitere Besonderheit von Jack Jeanne ist, dass es neben den 6 Love Interest-Routen noch eine charakterspezifische Route für Kisa selbst gibt. Bei den meisten Visual Novels, die ich kenne, ist das eine Art „Bad Ending“-Route, die man erreicht, wenn die Werte für keine Love Interest-Route reichen. Hier kann man sie jederzeit bewusst anwählen und ich empfehle das auch sehr dringend, da Kisas Route wirklich, wirklich gut ist und keinesfalls eine „Bad Ending“-Route. Tatsächlich fand ich sogar, dass sie sich am natürlichsten an die Common Route angeschlossen hat und der zentrale Konflikt war wirklich interessant und kam so auch in keiner der Love Interest-Routen vor. Man merkt auch, dass die letzte Performance spezifisch für diese Route verfasst wurde, finde ich.

Ich persönlich habe 4 der Love Interest-Routen gespielt und Kisas eigene Route. Angefangen habe ich mit Fumi, einem Third-Year-Student, der für gewöhnlich weibliche Hauptrollen spielt. Ich bin ganz natürlich auf seiner Route gelandet, da meine Antworten einfach fast jedes Mal seinen Affection-Wert angehoben haben und er mir auch insgesamt einfach sehr sympathisch war. Ich habe mich dann recht frühzeitig dafür entschieden, mich auf ihn zu konzentrieren, und war mit meiner Entscheidung auch sehr zufrieden. Im Endeffekt ist er bis zum Schluss mein Favorit unter den Love Interests geblieben Danach habe ich die Route von Mitsu gespielt, einem Second-Year-Student, der ebenfalls für gewöhnlich weibliche Rollen spielt, aber vor allem für seinen grandiosen Gesang bekannt ist. Am Anfang war Mitsu mir tatsächlich nicht besonders sympathisch, aber im Laufe der Common Route durchläuft er sehr viel Charakter Development, sodass ich danach wirklich neugierig auf seine Route war. Leider muss ich sagen, dass seine Romance-Route meinen positiven Eindruck von ihm wieder ziemlich zunichte gemacht hat, vor allem während der Common Route. Nach dem holprigen Anfang kam ich zum Schluss leider auch nicht mehr richtig in die Route rein und ich fand ehrlich gesagt auch, dass die finale Performance in dieser Route etwas erzwungen wirkte, da Mitsu mir als Hauptrolle einfach nicht richtig zu passen schien. Als Drittes habe ich die Route von Neji gespielt, ebenfalls ein Third-Year-Student, der sowohl männliche als auch weibliche Rollen spielt, aber primär als „Director“ fungiert und sämtliche Theaterstücke selbst schreibt. Er nimmt in der Klasse also eine sehr zentrale Funktion ein. Ehrlich gesagt, hatte ich ihn vom Charakter her nicht wirklich auf dem Schirm, da er mir einfach ein bisschen zu „drüber“ ist. Aber in einem Poll habe ich gesehen, dass seine Route eine der beliebsten war, insofern war ich doch neugierig, was sich hinter ihm verbirgt. Und tatsächlich fand ich seine Route wirklich interessant und der zentrale Konflikt war auch unerwartet düster für Jack Jeanne. Ich würde jetzt zwar nicht sagen, dass ich ein besonders großer Freund von dem Pairing bin, aber ich habe seine Route trotzdem gerne gelesen. Auch hier gilt aber: Seine Implementation in die finale Performance in seiner eigenen Route fand ich auch hier irgendwie schräg. Nach Nejis Route habe ich dann erst einmal Kisas eigene Route gespielt, die ich wirklich durchweg gelungen fand und jedem empfehlen kann. Zuletzt habe ich noch die Route von Kai gespielt, ebenfalls ein Third-Year-Student, der in erster Linie männliche Hauptrollen spielt. Kai war mir von vorneherein sympathisch und ich hatte mich auch sehr früh entschieden, dass ich seine Route unbedingt spielen möchte. Letztlich gefiel sie mir auch ziemlich gut, auch wenn ich den Mittelpart des letzten Fünftels zwischenzeitlich etwas anstrengend fand. Die letzten beiden Routen – Suzu und Sou – habe ich nicht mehr gespielt. Zum einen war ich irgendwann ziemlich ausgebrannt, da die Common Route einfach sehr, sehr lang ist und man entsprechend viel Repetition hat, bevor man überhaupt wieder auf die Charakter-Routen kommt. Und zum zweiten haben mich die beiden als Love Interests einfach nicht besonders interessiert, mir gefiel die enge Freundschaft zwischen den beiden und Kisa einfach deutlich besser. Mein abschließendes Ranking der Love-Interest-Routen ist Fumi > Kai > Neji > Mitsu. Mir fällt es ehrlich gesagt ein bisschen schwer, Kisas eigene Route dort einzureihen. Ich glaube, sie ist tatsächlich entweder vor Fumi oder direkt nach Fumi – also Platz 1 oder 2. Da ich Fumis Route zuerst gespielt habe, habe ihr hier die finale Performance zuerst erlebt, was einfach ein besonderes Erlebnis war. In den späteren Routen skipped man einen Großteil dieser finalen Performance durch die Wiederholungen. Wenn ich Kisas Route zuerst gespielt hätte, hätte ich es vielleicht andersherum empfunden. So ist sie wahrscheinlich eher auf Platz 2, aber ich mochte sie trotzdem wirklich sehr gerne.

Und das war’s im Endeffekt auch „schon“. Mein Review ist deutlich länger geworden, als ich erwartet habe, aber Jack Jeanne ist doch irgendwie eine ungewöhnliche Otome-Visual Novel, zu der es mehr zu sagen gibt als zu den meisten anderen Genre-Vertretern Und ich habe in den letzten Wochen auch ziemlich viel Zeit mit dem Spiel verbracht, wie man sieht. Ich hatte jedenfalls meinen Spaß damit und kann das Spiel auch wärmstens jedem empfehlen, der einfach nur eine schöne Slice of Life-Novel mit Theaterfokus lesen will Wem die Romanzen allerdings sehr wichtig ist, für den gibt es wahrscheinlich bessere Optionen.

NieR Replicant ver.1.22474487139 [PS4/5] (41h)

Als JRPG-Fan sind mir die beiden Nier-Games natürlich ebenso ein Begriff wie Yoko Taro, Drakengard usw. Allerdings hatte ich bis dato noch keines dieser Spiele gespielt – und das hatte einen spezifischen Grund: die Ending-Struktur. Ich kann kaum beschreiben, wie sehr es mir widerstrebt, Spiele mehrfach durchzuspielen (bis auf sehr wenige Ausnahmen) und die Vorstellung, dass ich Teile eines Spiels 3, 4 oder sogar 5 Mal hintereinander spielen soll, um das „True Ending“ zu erreichen, hat mich wahnsinnig gemacht. Kurz gesagt: Ich habe trotz aller Neugierde eine regelrechte Sperre gegen diese Games entwickelt. Mit NieR Replicant wollte ich es dann aber doch endlich mal versuchen, nachdem ich bei NieR Automata lieber meinem Partner den Vortritt gelassen hatte (und das beim Zugucken schon anstrengend fand). Ich kaufte mir das Remaster von NieR Replicant dann also recht zeitnah zum Release – und ließ es dann nochmal ein paar Jahre auf dem Backlog liegen, da ich mich einfach nicht überwinden konnte. Seit ca. 3-4 Jahren gibt es jedes Jahr einen Punkt auf meiner Gaming Bucket-List, der für genau solche Fälle gedacht ist: mir einen Ruck zu geben und Spiele zu spielen, die aus irgendeinem Grund Unwillen in mir wecken, die mich gleichzeitig aber auch neugierig machen. Dieses Jahr habe ich mir nun endlich einen Ruck gegeben und habe NieR Replicant angefangen und (zum Glück) auch durchgespielt. Vorweg sei gesagt: Ich finde die Ending-Struktur immer noch schlecht designed. Aber ich hab’s durchgehalten, immerhin, und es hat mir die Erfahrung auch nicht komplett ruiniert, auch wenn es sich insgesamt eher negativ niedergeschlagen hat.

Doch erst einmal zum Spiel an sich: NieR (so der ursprüngliche Name im Westen) erschien 2010 erstmals für PS3 und Xbox360. In Japan erschien es im selben Jahr, allerdings in zwei verschiedenen Fassungen: NieR Replicant, das einen Protagonisten im Teenager-Alter bietet, und NieR Gestalt, das einen erwachsenen Protagonisten (besser bekannt als „Papa Nier“) bietet. Im Westen erschien ausschließlich die Variante aus NieR Gestalt, das den älteren Protagonisten bot. NieR Replicant ist hingegen ein Remaster der gleichnamigen japanischen Version mit einem jüngeren Nier. So weit, so kompliziert. Ich kenne das Original nicht, insofern kann ich zu dieser bizarren Angelegenheit nicht allzu viel sagen, aber ich weiß, dass Papa Nier bei vielen hiesigen Spielern besser ankam. Ich persönlich hätte ihn wahrscheinlich auch lieber gespielt – zumindest war ich neugieriger auf diese Variante –, aber letztendlich hat es mich auch nicht sonderlich gestört. In NieR Replicant schlüpfen wir also in die Rolle des jüngeren Protagonisten, der sich um seine kranke Schwester kümmert, die an einer unbekannten Krankheit leidet. Die postapokalyptisch anmutende Welt, in der die beiden leben, wird von Shades – unheimlichen, angriffslustigen Schatten – bewohnt und gerät zunehmend aus den Fugen. Der Protagonist, der geschworen hat, seiner Schwester Yonah zu helfen, gerät eines Tages in den Besitz eines sprechenden Buches, das ihn mit mysteriösen Kräften ausstattet – und so erfährt er immer mehr von den Umständen, die die Welt zu dem gemacht haben, was sie heute ist, und wird auch selbst immer mehr in ihr Schicksal verwickelt.

Was mir wirklich gut gefiel, waren die Story, die Charaktere, das Setting und die Atmosphäre des Spiels. NieR Replicant hat einen starken Main-Cast und ich mochte die Dialoge zwischen den Charakteren sehr, auch wenn ich mir zum Teil gewünscht habe, dass sie weniger während Kämpfen stattfinden, wo ich einfach anderweitig beschäftigt war. Auch in einigen Side-Quests gab es nette und zum Teil witzige Dialoge, allerdings bewegten diese sich qualitativ sonst eher auf dem Niveau Fetch-Quest (Sammle Item X, töte Monster Y usw.). Ansonsten gefiel mir das World-Building sehr gut und ich war einfach interessiert an der Welt. Der fantastische OST hat im Übrigen auch positiv zur Atmosphäre beigetragen, ich höre ihn aktuell noch oft beim Arbeiten. Hinsichtlich der Story möchte ich hier gar nicht weiter ins Detail gehen; das erlebt man besser selbst. In dieser Hinsicht verstehe ich die Passion vieler Fans für Yoko Taros Werke aber.

Gameplay-technisch fand ich NieR Replicant allerdings leider überwiegend nur „meh“. Ich kenne das Original nicht, weiß aber, dass das Kampfsystem im Remaster schon verbessert wurde. Das Kampfsystem fand ich im Großen und Ganzen „okay“, aber ich habe das Gameplay leider oft als sehr verkünstelt und anstrengend wahrgenommen. Jeder Dungeon hat irgendwelche seltsamen, oft nervenzehrenden Quirks, seien es seltsame Kamera-Perspektiven, keine Lauf-Optionen, keine Dodge-Option etc. Ich habe ständig mit der Kamera und dem Anvisieren-System gekämpft und ich fand viele Gameplay-Elemente leider einfach akut unspaßig. Die Side-Quests hatten ein paar Lichtblicke, aber überwiegend waren sie doch sehr simple Fetch-Quests, die aber zum Teil in exzessives Grinding ausarten, sodass ich zum Schluss einige auch einfach nicht mehr gemacht habe, weil es mir zu anstrengend wurde. Der DLC, der bei Replicant standardmäßig dabei ist, war im Endeffekt eine Art „Arena-Modus“ bzw. „Gegner-Rush“. Ich musste ihn deshalb machen, weil ich für Ending C/D alle Waffen brauchte und man die letzten 3 Waffen nur im DLC bekommen kann, aber wenn ich mir vorstelle, dass man dafür früher extra Geld bezahlt hat… Puh.

Und nun noch abschließend zu der Ending-Struktur: Wie eingang schon erwähnt, war das der Grund, weshalb ich NieR Replicant lange nicht angefasst habe. Ich habe in meinem Playthrough nun alle Endings selbst gespielt, von A bis E (dem neuen Ending). Abschließend muss ich sagen: Ich halte diese multiplen Endings immer noch für unnötig und schlechtes Game-Design, das die Zeit der Spieler nicht respektiert. Ich sehe auf Anhieb mehrere Möglichkeiten, wie man Ending A bis D mühelos hätte zusammenfügen können, wenn man das gewollt hätte. Auch das neue Ending E erfordert es eigentlich nicht, dass man die ersten 1,5-2 Stunden des Spiels nochmal durchspielt, da es nicht einmal direkt an das Geschehen anschließt. Insofern: Nein, von der Notwendigkeit der multiplen Endings und vor allem der Notwendigkeit, jedes Mal wieder 2-3 Stunden nochmal zu spielen, bin ich nach wie vor nicht überzeugt. Tatsächlich hat sich diese Struktur auf mein Spielerlebnis eher negativ ausgewirkt, da ich gemerkt habe, dass ich irgendwann einfach die Bindung zu hochemotionalen Szenen verloren habe, weil ich sie zu oft anschauen musste. Später konnte man zum Glück einiges skippen, aber da war der Schaden im Endeffekt schon angerichtet. Und der neue Content, der mit C/D dazu kam, war ehrlich gesagt schon fast lächerlich wenig für die Mühe, die man sich machen muss, um dahin zu kommen. B und E haben in dieser Hinsicht eine deutlich bessere Figur gemacht.

So, und damit komme ich zum Ende: Letztlich bin ich froh, dass ich mir dieses Jahr endlich einen Ruck gegeben habe und NieR Replicant nun durchgespielt habe. Für die Story, die Charaktere und die Musik hat sich das auch definitiv gelohnt. Der Rest… na ja. Ob ich nochmal ein NieR- oder ein Drakengard-Spiel zocken werde, weiß ich noch nicht, da mich doch zu viel gestört hat. Ich würde es mir vorher jedenfalls genau überlegen.

Zitat von Mirage

Ob ich nochmal ein NieR- oder ein Drakengard-Spiel zocken werde, weiß ich noch nicht, da mich doch zu viel gestört hat. Ich würde es mir vorher jedenfalls genau überlegen.

Ich kann dir in beinahe jeder Hinsicht zustimmen, wobei ich ganz ehrlich sagen muss, auch, wenn ich die Charaktere an und für sich mag, finde ich die Story auch gar nicht so dolle finde, ehrlich gesagt. Es läuft für mich zu oft auf ein "Hier hast du eine nette Welt mit friedlichen Locations. Jetzt sieh, wie der Frieden und das Schöne zerstört wird" hinaus, sodass ich hinterher bei einiger Tragödie sogar nur noch mit den Augen rollte.

Dank der von dir genannten Kritikpunkte ging mir das Spiel dermaßen auf die Kekse, dass ich es mittlerweile zu meinen meistgehassten Spielen sehe und es nie wieder mit der Kneifzange anfassen werde. Ist neben Bloodstained mein Grund, warum ich mich nie wieder dazu zwinge, Spiele durchzuspielen, die mir keinen Spaß machen, meine Abbbrechphase ist deutlich höher geworden. Hey, dafür kann ich dem Spiel sogar danken. XD

Empfehlen könnte ich dir generell Drakengard 3 noch, falls du je die Chance hast, es zu spielen (ist ja auf PS3 gefangen, hierzulande Digital Only, also falls du die Gelegenheit hast, kauf es dir, bevor der Store auch dicht macht).

Es hat sicher neue Probleme wie eine instabile Framerate und ein ziemlich abwechslungsarmes Kampfsystem. Auch der krude Humor und die eher zynischen Charaktere sind sicher nicht jedermanns Sache.

Aber die verschiedenen Routen wurden deutlich besser gelöst. Tatsächlich bekommst du nämlich in jeder Route eine alternative Story, du wiederholst nicht einfach das, was du schon erlebt hast, wodurch jede Route wirklich überraschend ist.

Ich glaube, die ersten beiden Drakengards haben das auch so gemacht. Keine Ahnung, warum man hier auf eine so langweilige Struktur setzte. Route B ergibt noch Sinn, Route C und D sind aber fast komplett aufgewärmte Kost. Da hätte man das Ganze gleich in 3 Durchgängen abhaken sollen, ehrlich gesagt.

Automata ist zwar besser, aber nach dem ersten Ending hat man im Grunde auch nur einmal dieselbe Story aus anderer Perspektive mit neuen Szenen, aber auch viel aufgewärmtes und danach geht es auch einfach weiter. Verstehe nichtmal, warum man nach Route A überhaupt ein "Ending" bekam, hätte man danach einfach die Perspektive geändert und es wäre weiter gegangen, hätte sich nichts geändert.

Profitierte irgendwie überhaupt nicht von der "mehrere Ending"-Struktur, wie ich finde.

Es war nichtmal ein gutes "Fake"-Ende, weil dich das Spiel danach explizit hinwies, dass es ja noch weiter geht.

Dabei kenne ich ein Spiel, dass das "Fake"-Ende richtig gut gemacht hat und einige Spier danach tasächlich aufhörten, weil sie dachten, es wäre vorbei. DAS Spiel hat dir NICHT gesagt "Hey, spiel noch weiter, is noch nicht vorbei", daher hat es auch GEWIRKT!

Ich werde aus Spoilergründen nicht verraten, welches Spiel es war, aber es ist eines meiner absoluten Lieblingsspiele und wer es durch hat, wird schon wissen, was ich meine.

Zitat von Psycake

Ich werde aus Spoilergründen nicht verraten, welches Spiel es war, aber es ist eines meiner absoluten Lieblingsspiele und wer es durch hat, wird schon wissen, was ich meine.

Es fängt mit S an und hört mit S auf? Und ist aus D? 😜

Dafür dass du Nier nicht magst,werde ich wohl nie dieses von dir gemeinte Spiel spielen, weil ich die Art des Gameplay nicht mag, obwohl ich super gespannt auf Story/ Atmosphäre und Endings bin...XD

Monster Hunter Stories 2 - wings of ruin

Nintendo Switch OLED. PEGI-Version. Spielzeit: 48:30 Stunden

Berührung mit Capcoms Monster Hunter Serie hatte ich bislang nur auf der PS4, wo ich seinerzeit sehr exzessiv Monster Hunter World gespielt habe. Auf der Suche nach Spielen für meine NSW-Sammlung bin ich auf Monster Hunter Stories gestossen, welches meine Frau gerade spielt. Das was ich da so mitbekam hat mir sehr gut gefallen. Ich habe dann nach dem Nachfolger geschaut, und diesen für einen schmalen Taler erworben. Die Suche bei Metacritic ergab dass der Nachfolger nochmal bessere Bewertungen erhielt und die Geschichten keinen direkten Zusammenhang haben. Dann dachte ich mir: Beide Spiele wirst Du eh nicht spielen. Jedenfalls nicht so bald. Such Dir das bessere Spiel heraus - und das tat ich dann auch.

Beendet habe ich dann letzte Nacht ein Meisterwerk von jRPG. Dieses fiel deutlich länger und umfrangreicher aus als ich zunächst dachte. Ich weiß nicht warum, aber ich ging davon aus dass dies irgendwie die "Kinderversion" eines Monster Hunter ist. Weit gefehlt. Ich habe knapp 50 Stunden mit dem Spiel verbracht und hätte abseits der Hauptgeschichte nochmal mehr als das doppelte an Zeit darin investieren können. Im Netz habe ich gelesen dass man wenn man möchte gut und gerne auf 130 Spielstunden kommt. Wahnsinn.

Ich bin es nicht mehr gewohnt so viele Stunden an einem Spiel zu hängen. Habe zuletzt eher kurze Indiespiele (Arise - a simple story, a short hike) und Sachen wie River City Girls 2 und Streets of Rage 4 gezockt.

Vielleicht habe ich mich gerade deshalb am Anfang des Spiels über unnötige Nebenmissionen und Längen beklagt. Die hat das Spiel so betrachtet aber nicht wirklich. Es ist eben einfach ein rundenbasiertes Rollenspiel und braucht seine Zeit. Da dauert ein Bosskampf eben mal 30 - 40 Runden und kann sich (trotz bis zu 3facher anwählbarer Beschleunigung) eben ziehen. Die Entwickler haben sich aber durchaus Gedanken zu der Dauer der Kämpfe gemacht. So kann man schwächere Gegner nämlich z.B. per "Instadeath" töten und solche Kämpfe schneller beenden.

Eigentlich schreibe ich jetzt schon mehr als ich wollte und selber hasse ich lange Reviews. Daher mal auf den Punkt gebracht:

- Hervorragendes Charakter- und Monsterdesign

- Charaktere zum "liebhaben"

- super englische Sprachausgabe

- Schöne Animesequenzen

- angenehmer soundtrack

- Eine abwechslungsreiche und schön gestaltete Welt

- tolles Kampfsystem

- Gute Geschichte (die den Bösewicht aber leider recht bald erahnen lässt)

- Riesiger Umfang mit viel Bonusmissionen und Inhalten auch nach der Hauptgeschichte

Auch wenn mir der ein oder andere Punkt einfällt den man hätte verbessern können: Für mich ist Monster Hunter Stories 2 ein jRPG-Meisterwerk. Man sollte nur viel Zeit mitbringen. Ein-zwei Stündchen Spielen vergehen wie im Flug.

Das ist nicht anders als bei einem Elden Ring. Also wenn ihr grad eh kaum Zeit habt lasst es.

Von mir bekommt das Spiel eine Wertung von

90%

Ja ist es denn zu fassen?

Der Bloody hat tatsächlich nach Ewigkeiten mal wieder ein Spiel beendet bekommen, Wunder geschehen ich sags euch.

23. Astro Bot

Genre: 3D Platformer / Spielzeit: 10-20h (Je nach Genre Affinität und 100% Komplettierung)

Da ist es nun endlich gewesen, das Spiel das in den letzten Wochen für viel positives Aufsehen sorgt und im Kontrast zum gefloppten Concord nun als Symbol und heiliger Gral fungiert um ein Zeichen für die geschlossenen Studios und die Qualität von Singleplayer Games herzuhalten.

Zu Unrecht? Keineswegs!

ABER! Ich möchte das Spiel hier in einem ganz normalen Rahmen beurteilen wie ich es für üblich auch tue, sprich eine Mischung aus objektiven und subjektiven Empfindungen die sich dann eben nach meinem persönlichen Geschmack positiver oder negativer äußern.

Haue ich so eine Stellungnahme im Vorfeld raus weil ich von Astro enttäuscht bin? Ganz klar Nein!

Aber auch hier wieder das ABER, ich mag es nicht wenn etwas pausenlos und komplett einseitig in den Himmel gehoben wird.

Es mag meine kleinkarierte Art und meine verquere Denkweise sein die mich hier und da zum Korinther macht, aber je mehr etwas angepriesen wird, desto mehr suche ich die Nadel im Heuhaufen und je mehr etwas von allen Seiten zerrissen wird, desto eher versuche ich an einigen Stellen "verzeihender" zu sein.

Nicht mal um "Anti" einfach anderer Meinung zu sein, aber es regt mich zum erneuten beurteilen an um manches doch nochmal genauer unter die Lupe zu nehmen oder eben nicht ganz so verbissen zu sein und sich eher auf die spaßigen Dinge zu fokussieren.

Damit das hier nun nicht den falschen Eindruck erweckt setze ich hier nun auch gleich an und behaupte JA!

Ja das Spiel macht ziemlich viel Spaß.^^

Gerade als Jump & Run Fan und jemand der zu N64 und PS1 Zeiten seine 3D Platformer lieben gelernt hat muss hier einfach zuschlagen und sollte ohne große Zweifel glücklich mit werden. (Ausnahmen gibt es natürlich immer )

Aber auch Leute die weniger affin im Genre unterwegs sind, aber sich dem Charme von Astro Bot oder dem vorherrschenden Hype nicht entziehen können haben hier einen guten Einstieg in eben besagtes Genre da es eine gute Spannbreite zwischen normalen Leveln und (optionalen) Challenge Leveln bietet.

So sind Veteranen nicht nur mit "seichteren" Passagen irgendwann gelangweilt und Neulinge nicht zu schnell gefrustet, meiner Meinung nach trifft Astro hier eine wirklich gute Mitte.

Und das obwohl es wie in Astro's Playroom auch schon meist nach einem Treffer aus ist für den kleinen Knuffe-Robo, aber ebenso wie im Vorgänger hat man hier sehr oft mehr als faire Checkpoints gesetzt sodass für das normale Vorankommen keine hohe Frusttoleranz notwendig ist.

Das Spiel zeigt zudem auch super was ich an solchen Spielen mag und zwar das Sammeln und das macht das Spiel hier meisterlich indem es versteckte Puzzleteile zu finden gibt, die dann neue Dinge in der Hub freischalten wie etwa Kostüme, dann Alternative Ausgänge die wiederum Bonuslevel freischalten und natürlich andere Astro's die überall in den Leveln umhertoben und häufig eine Anspielung oder Referenz zu zig anderen Spielefranchises sind.

Egal ob das manipulativ erscheint oder nicht aber das trifft einfach zu recht bei vielen einen Nerv, man freut sich über die knuffigen Referenzen und gerade wenn man ein breit gefächertes Interesse an Videospielen hat geht einem das Herz auf wenn man bestimmte Franchises entdeckt mit denen man vielleicht nicht unbedingt gerechnet hat.

Doch damit nicht genug, denn in den Leveln lassen sich auch allerhand Münzen sammeln die man dann an einem Gacha Automaten nutzen kann um beinahe jedem dieser speziellen Astro's noch eine extra Animation zu verleihen.

Das ist nicht nur zusätzlicher Fanservice bei den Cameos sondern generell einfach ein Detail das ich in allen Spielen immer lieben werde, Charakteranimationen sind einfach immer etwas "Extraliebe" zum und im Spiel, bei mir bekommt das immer einen Extra Punkt in Sachen Charme.^^

Aber auch abseits der Astros sind die Welten vollgepackt mit Leben, Details und rumwuselnden Robo-Tierchen sodass man sich die Level auch gerne in Ruhe anschaut und nicht nur zielstrebig nach dem Ende sucht.

Denn sollte man doch eher zu Letzterem zählen fällt einem auf das viele Level doch eine recht übersichtliche Länge haben, daher ist ein guter Mix aus erkunden und durchspielen nahegelegt, sonst entgeht einem viel Herz das in dem Spiel steckt.

Tatsächlich möchte ich bei so einem Spiel aber keine Referenzen oder Details im speziellen als Beispiel aufführen, es gehört für mich einfach zum Gesamterlebnis dazu sich umzuschauen und in nahezu jeder Ecke etwas finden zu können, selbst wenn es "nur" ein paar Bonusmünzen sind wissen Veteranen es zu schätzen aus welchem Grund diese dort platziert wurden.

Wer sich zwar fleißig auf Erkundungssuche begibt, jedoch trotzdem ein schlechter Finder ist muss nicht verzagen, denn auch dafür hat Astro Bot eine Hilfestellung.

Nach dem Beenden eines Levels kann man beim erneuten spielen direkt zum Start des Levels für je 200 Münzen ein kleines Vögelchen erkaufen das in der Nähe von versteckten Astros, Puzzleteilen oder den alternativen Zielen ein Signal von sich gibt.

Durch die Welt bewegt man sich mit dem gewohnt guten Gameplay aus Astro's Playroom und gerade weil man in Sachen qualitativer 3D Platformer heutzutage etwas ausgehungert sein kann ist es schon eine Wohltat sich hüpfend durch die bunten Level zu bewegen.

Die Gegnervariation hat hier im Vergleich zum Vorgänger auch nochmal angenehm zugelegt, sodass auch das genügend Abwechslung vorherrscht.

Jedoch muss ich auch sagen das einige Hitboxen sich manchmal nicht so ganz nachvollziehbar anfühlen, mal ist das Spiel recht großzügig und manchmal geht man etwas vorzeitig baden, was bei den fairen Checkpoints zwar kaum ins Gewicht fallen dürfte, aber dennoch meiner Meinung nach anzumerken ist.

Die Level selbst bieten ebenfalls so einiges an Abwechslung und lassen so schnell keine Langeweile aufkommen, gerade zu Beginn ist man neugierig auf jede neue Levelidee, ein neues Setting und hier und da auch ein zusätzliches Gadget mit dem man sich durch das Level manövriert.

Hier habe ich jedoch einen persönlichen "Knackpunkt" den ich anbringen möchte und hoffe das man mich nicht falsch versteht und zwar sind wirklich viele der Ideen super in das Spiel eingebunden und sorgen für Abwechslung, ABER ich möchte hier auch einfach so fair sein und behaupten das man gut 80-90% davon schon seit über 20 Jahren irgendwie oder irgendwo aus Nintendospielen kennt.

Ist das schlecht? Aber auf gar keinen Fall!

Es geht mir jetzt auch nicht darum zu sagen "das Spiel hätte keine Innovation", absolut nicht, denn die Kombination all dieser Elemente hält das Spiel eben frisch und abwechslungsreich.

Der Grund warum ich das "kritisierend" anmerke ist das das Spiel eben aufgrund der aktuellen Umstände und des Hypes nun Lob für Dinge bekommt die für mich eben schon seit den letzten 20 Jahren bei diversen Nintendospielen neu und überraschend waren und die Mehrheit so tut als hätte Astro Bot das Genre neu definiert und ja da bin ich dann der Korinthenkacker und sage STOP! "Das ist schon alles geil und gefällt mir auch ziemlich gut, aber das ist für mich nicht sonderlich neu".

Nur weil etwas nicht neu ist heißt es ja nicht das es schlecht ist oder man es nicht mag, hier wie gesagt komplett im Gegenteil, aber ich kann mit meinem Kopf nicht weitermachen wenn ich so etwas nicht loswerden kann, weil es mich doch irgendwo stört wenn bestimmte Spiele für etwas zu viel oder zu wenig Aufmerksamkeit bekommen wo es ähnlichen Vertreter eben genau andersherum erging.^^'

Um das ganze aber hoffentlich von der Stimmung her wieder in eine angenehmere Richtung zu kippen möchte ich auch anmerken das gerade Nintendo in dem Sektor eben seit Jahren Erfahrung hat und hier natürlich dann andere Ansprüche vorherrschen können, da kann man dann schon sagen das Astro ihnen eben in nichts nachsteht und eben durch die Playstation Referenzen und andere Details genug Alleinstellungsmerkmal zugesprochen werden kann.

Dennoch kann man bei so mancher Mechanik oder Designentscheidung einfach nicht anders als den Blick rüber ins Nintendoregal zu werfen.

Allerdings kann auch Nintendo noch etwas von Astro Bot lernen und zwar in mancher Hinsicht was die Bosskämpfe angeht, diese sind nämlich absolut fantastisch in Szene gesetzt und präsentieren sich wuchtig und intensiv.

Hier ist man dann auch so gnädig und gibt Astro 2 Extraherzen, sind diese allerdings aufgebraucht und man wird erneut getroffen heißt es oft Phase 1 erneut beginnen.

Was ich persönlich auch sehr angenehm finde ist das man für die Bosslevel eine gewisse Anzahl an Astros in den Leveln gefunden haben muss um diese freizuschalten.

Die wichtigste Anzahl findet man über das Spiel verteilt schon ohne zu weit vom Hauptpfad abzuweichen, aber es bringt einen dann auch schon eher mal dazu sich nochmal genauer umzuschauen und die verlangten Mengen sind in meinen Augen genau richtig angesetzt, nicht zu viel und nicht zu wenig.

Denn wenn es nur "Alibi" Hindernisse sind finde ich es unnötig und wenn man es nahezu komplettieren müsste wäre es für einen guten teil der Spieler sicherlich zu mühsam oder frustig wenn ihnen so etwas nicht liegt.

Auch für die Hub gibt es bestimmte Interaktionspunkte wofür man eine gewisse Zahl an Astro's benötigt die einem dann zu Hilfe eilen, dadurch hat man dort auch immer nach jeder Welt ein bisschen was zu entdecken, wenn man sich denn nicht in den ganzen Cameos verliert. xD

Aber wie schon mal angedeutet hat Team Asobi auch an die "Fortgeschritteneren" Spieler gedacht und kurzweilig knackigere (optionale) Challenge Level mit eingebunden.

Der Großteil davon ist auch für Genre Kenner vielleicht nicht allzu fordernd, aber man merkt doch das man schon etwas geübter sein sollte und in einem Rutsch zum Ziel gelangen muss.

Dennoch haben diese Level keine Überlänge, sodass auch Neulinge nicht davor zurückschrecken sollten diese das ein ums andere Mal zu probieren.

Da ich das Spiel zusammen mit Kumpelinchen gespielt habe konnte ich das hier ganz gut beobachten das bei ihr der Frustpegel in solchen Leveln schneller erreicht ist, weil sie eigentlich nicht so gerne Platformer spielt, dennoch hat sie sich darauf eingelassen diese Level anzugehen und war dann auch ganz stolz die meisten davon gut gemeistert zu haben.

Zwar hat sie sich unnötig mit mir verglichen und gedacht sie müsse da besser abliefern, aber ich fand sie ist da recht fix und hartnäckig durchgekommen und hat das meiste davon trotz gelegentlichem Frust als gute Herausforderung gesehen.^^

Ausnahmen gibt es natürlich dazwischen immer und fand ich dann auch nicht so gut als ich übernommen hatte, aber ich kam somit auch zusätzlich auf meine Kosten und es verleiht dem Spiel eben einen gesunden Mix aus Herausforderungen, die aber nicht für jeden notwendig ist um im Spiel weiter zu kommen.^^

Somit gibt es auch eigentlich nichts was ich dem Spiel groß zur Last werfen kann, was rein subjektiv und schade war ist die Tatsache das das Spiel für mich persönlich gegen Ende "schwächer" wird.

Es ist schon noch alles toll inszeniert und abwechslungsreich gestaltet aber es wurde mir nach Welt 3 zunehmend weniger eindrucksvoll.

Auch hier bitte nicht falsch verstehen, das Spiel hält bis zum Schluss ein verdammt hohes Niveau als Genrevertreter und auch als Spiel an und für sich, aber dennoch fand ich wurde man weniger "überrascht".

Und damit meine ich eben das Gefühl wie es sich über das Spiel verteilt, denn die ersten 3 Welten haben sich stets gesteigert oder noch etwas neues und Interessantes innerhalb des Spieles hinzugefügt, während es in den letzten beiden Welten eben merklich weniger solcher Momente gab und dann "More of the Same" war.

Wie gesagt, zwar alles ebenfalls auf einem hohen Level, aber es wäre dann besser gewesen in den ersten Welten hier und da ein paar bekannte Elemente wieder zu verwenden um sich noch ein paar "Überraschungen" für später aufzuheben.

Das ist jedoch rein subjektiv und kann bei anderen vielleicht eher zu einem großen Fragezeichen über dem Kopf führen, weil es ihnen da vielleicht ganz anders ging oder so etwas gar nicht erst ins Gewicht fällt, weil es eben an den anderen Qualitäten nichts wirklich einbüßt und den hochgesetzten Standard bis zum Schluss erhält.

Der Dualsense Controller wird auf vielerlei Arten eingesetzt und ist durch verschiedene Interaktionen mit Geräuschen und Vibrationen erneut recht beispiellos eingebunden, wer auf solche Gimmicks jedoch nicht so steht kann diese auch wahlweise ausstellen, es wird einem hier also nichts mit Muss aufgezwungen.

Die Musik ist angenehm tüdelig und einige Tracks summt man hier und da auch mal mit, längerfristig bleibt mir aber eher wenig im Gedächtnis, dennoch untermalt es das Spielgefühl und die Welten sehr gut.^^

Fazit

Astro Bot ist wirklich ein sehr tolles Spiel geworden, das zu Recht eine Menge Aufmerksamkeit bekommt und hoffentlich ein Zeichen setzen kann das mehr solcher Spiele in Zukunft das Licht der Welt erblicken.

Die Welten sind toll gestaltet und sprühen voller Leben, die Charaktere sind sehr knuffig anzusehen und man merkt wie viel Liebe in die Animationen geflossen ist und jede neue und erkannte Referenz lässt langjährigen Videospielern ein Lächeln ins Gesicht zaubern.

Zudem präsentiert sich das Spiel herrlich bunt und hat imposant in Szene gesetzte Bosskämpfe, dazu kommen Leute die gerne sammeln und erkunden auch vollständig auf ihre Kosten da es allerlei Verstecke und Geheimnisse in den Leveln verteilt gibt.

Zusätzlich ist das Spiel gut für Anfänger und Fortgeschrittene geeignet die sich in erster Linie an der Vielfalt des Spiels erfreuen wollen und nicht nur nach anspruchsvollem Platforming lechzen.

Dies ist zwar ebenfalls gegeben, aber eher ein kleinerer und optionaler Teil des Spiels.

Für Nintendoveteranen bietet das Spiel nicht allzuuu viele neue Erfahrungen, dafür aber eine qualitativ hochwertige Mischung aus bekannten Elementen der letzten Generationen an denen man durchaus wieder seine Freude haben wird und auch super zu Sony's (hoffentlich) neuem Maskottchen und aufsteigendem kleinen Robo-Sternchen passen.

(Gefühlt hat man in die Astro Spiele nun auch so viele Details gesteckt um ein paar Jahre in denen es Astro noch nicht gab nachzuholen xD)

Es gibt von mir eine absolute Kaufempfehlung wenn man sich auch nur irgendwie für das Spiel erwärmen kann, das sage ich nicht aus Hype oder sonst was, sondern einfach weil es wirklich auch ein echt gutes Spiel ist wie es von den meisten behauptet wird, nur die Übertreibungen in einige Richtungen müssten meiner Meinung nach nicht sein.

Dennoch freut es mich natürlich immens das gerade ein 3D Platformer sich nun mal schafft so einen guten Namen zu machen und ich kann verstehen warum es für viele ein Anwärter für das Spiel des Jahres ist und bei mir wird es definitiv auch in den Toplatzierungen landen, wo genau wird sich dann aber erst am Ende des Jahres zeigen.

Ein paar kurze Meinungen.

Star Wars Outlaws

Bewertung 9/10

Story und Charakter sind super und so viel besser als alles was Disney und EA geschafft hat. Die Welten haben mir sehr gut gefallen und wirkten auch sehr lebendig. Gameplay war viel ubi also ob ich bei SW jetzt schleichen möchte wohl eher nicht dazu war es auch etwas frustig. Ansonsten hat das alles gut gepasst ob weltraum oder auf Planeten war das schon richtig gutes Star Wars. Mit den Fraktionen war weniger schlimm als erwartet gerade wo ich mich so schlecht entscheiden kann.

Fazit: sehr gut lohnt sich.

Visions of Mana

Bewertung 8/10

Der Anfang der Story hat mir gut gefallen da hat man eine spannende Geschichte aufgebaut. Hatte da viel überlegt was es so sein könnte. Zur Mitte wird die Story dann leider völlig einfallslos und vieles hat für mich dann auch nicht mehr gepasst.

Keine Ahnung warum man das alles aufgegeben hat sehr schade. Charas waren dafür aber gut und gerade die Welt ist sehr schön designt. Kampfsytem war etwas lahm gerade wenn man durch seine Angriffe die Gegner immer wegschleudert und ich dann wieder zu denen laufen muss. Es gab in der Welt zu viele Items und zu viele belanglose Quests.

Fazit: besser als Dawn of Mana aber weit von Secret of Mana entfernt. Trotzdem lohnt es sich.

Racing Lagoon

Bewertung 10/10

Eine Mischung aus einem Need for Speed ähnlichem Game mit einem jrpg funktioniert super. Man hat eine oberwelt mit orten für die Story und natürlich gibt es auch Zufallsrennen durch die Rennen bekommt man bessere Teile für sein Auto. man kann sich von seinem Gegner immer ein Teil aussuchen wie Motor oder Teile zur Verbesserung oder das Aussehen des Autos. natürlich gibt es auch seltene Gegner mit besonderen Teilen. Im Tutorial gibt es viel Bezug zu FF oder Saga 2 so ist der Motor wie eine Guardian Force. Auch wirkt das Spiel wie eine Mischung aus FF8 und PE1 vom Design. Der Anfang so die ersten 5 Stunden sind sehr frustig gerade das Fahrverhalten macht jedes rennen schwer bis man dann mal ein gutes Auto hat was überlegen ist. Aber das fahren ist nicht gut da hätte Square Racing Experten gebraucht.

Fazit: Meisterwerk

Princess Peach showtime

Bewertung 6/10

Ich fand es sehr monoton und lief auch nicht gut. Irgendwie kann ich aktuellen Nintendo spielen nicht mehr viel abgewinnen. Sind alle nach einem Chema aufgebaut was ich langweilig finde.

Digital Tamers 2 [Mob] (36h)
Manch einer denkt sich jetzt vielleicht: „Nanu, von diesem Digimon-Spiel habe ich ja noch nie gehört!“ Und gleichfalls, bis vor ca. 1,5 Woche hatte ich tatsächlich auch nichts von diesem Spiel gewusst. Geändert hat sich das erst, als ich vorletztes Wochenende die Monster Taming Direct 2024 nachgeholt hatte, da mir irgendwie aufgefallen war, dass ich kaum noch in Entwicklung befindliche Monster Taming-Games auf meiner Wunschliste habe. Auf der Suche nach Nachschub habe ich mir also die Trailer-Schau angeschaut (und es sind direkt 7-8 neue Genrevertreter auf meiner Steam-Wunschliste gelandet :P) und ganz zum Schluss überraschte mich dann ein Trailer von Digital Tamers 2: ein Digimon-Fangame, das erst vor gut 2 Wochen auf der Plattform itch.io released wurde. Ich war ernsthaft erstaunt, einerseits, weil ich als Digimon-Ultra keine Ahnung hatte, dass dieses Game in Entwicklung war (es handelt sich hierbei sogar schon um den zweiten Teil einer Reihe), und andererseits, weil ich überrascht war, dass Namco Bandai solche Fan-Games überhaupt zulässt. Man denke da an die Pokémon Company und Nintendo, die Spiele wie Pokémon Uranium direkt abgeschossen haben. Nicht so Namco Bandai, wie es scheint, denn es finden sich auf itch.io noch einige andere Fan-Games zum Digimon-Franchise, die auch mein Interesse geweckt haben. Fangame-typisch kann man sich Digital Tamers 2 kostenfrei auf der Website downloaden, entweder für mobile Geräte oder für PCs. Es gibt aber auch die Option, dem Entwickler einen selbst ausgewählten Betrag zu „spenden“, für seine Mühe. Ich habe mir das Spiel erstmal einfach kostenfrei runtergeladen, um zu schauen, was da überhaupt auf mich zukommt. Jetzt, nachdem ich es ausgiebig gespielt und durchgespielt habe (insofern man es durchspielen kann, zumindest), habe ich im Nachhinein aber noch eine Spende für den Entwickler dagelassen. Man merkt an jeder Ecke, wie viel Liebe in dieses Spiel geflossen ist und ich hatte alles in allem wirklich viel Spaß damit.

Doch zurück zum Anfang: Was ist Digital Tamers 2 überhaupt? Am ehesten würde ich es als eine Mischung aus dem bekannten Digimon-Tamagotchi-Gameplay und den Digimon World-Spielen beschreiben: Anfangs wählen wir ein Ei aus, aus dem ein kleines Baby-Digimon schlüpft, das wir dann umsorgen (füttern, spielen, Scheißhaufen entfernen) und trainieren müssen, entweder im heimischen Fitness-Center oder draußen, in der Digiwelt, wo wir gegen unzählige wilde Digimon kämpfen können. Ein ewiges Ziel bleibt natürlich, sein Digimon immer stärker werden zu lassen, bis es irgendwann den Mega-Level erreicht. Jedes Digimon kann dabei auf jeder Stufe zu verschiedenen höherleveligen Digimon digitieren, wobei jedes einzelne unterschiedliche Voraussetzungen hat. Besonders typisch sind ein gewisser Level (bei einigen höher, bei anderen niedriger), ein bestimmter Freundschaftswert, eine gewisse Win-Ratio bei Kämpfen gegen wilde Digimon und besondere Erfahrungspunkte, die man von einer jeweiligen Spezies erhält (z.B. Aquatic, Holy, Dark, Plant, Dragon usw.).

Über eine Weltkarte können wir in Digital Tamers 2 verschiedene Gebiete mit unterschiedlichen geographischen Voraussetzungen und dementsprechend auch unterschiedlichen Digimon anwählen. Wir beginnen standardmäßig in der Stadt des Anfangs, die von Ausbildungs- und Rookie-Level-Digimon bevölkert wird und somit einen guten Startpunkt bildet. Bald entdecken wir Bahnschienen, die die verschiedenen Gebiete der Digiwelt miteinander verbinden. Allerdings: Jedes Gebiet wird von einer Art ‚Wächter-Digimon‘ bewacht, das den Bereich abschirmt, bis wir es im Kampf besiegen konnten. Gerade am Anfang sind diese Wächter oft enorme Hürden, aber sie zu besiegen ist wichtig und notwendig, um tiefer in die Digiwelt vordringen zu können, gegen höherlevelige Digimon kämpfen zu können (und dadurch natürlich auch mehr Exp zu erhalten) und vor allem auch, um an möglichst viele Exp verschiedener Spezies ranzukommen. In den Anfangsgebieten findet man zum Beispiel kaum Digimon, die Dark Exp geben (was mich am Anfang vor eine ziemliche Herausforderung gestellt hat – fangt auf keinen Fall mit dem lilafarbenen Ei an ^^‘).

Eine weitere Aufgabe, die uns gleich von Anfang an beschäftigt, ist der Wiederaufbau des Log-In-Dorfes, das diejenigen, die den ersten Digimon World-Teil kennen, sehr an File-City erinnern dürfte (auch die Musik ist dieselbe, was in mir direkt wieder Nostalgie geweckt hat haha). Dazu müssen wir Digimon World-typisch verschiedene Digimon rekrutieren. Einige Digimon schließen sich einfach so an, wenn man sie findet, gegen andere muss man kämpfen, wiederum andere wollen bestimmte Gegenstände usw. usw. Am Anfang sind diese Herausforderungen noch relativ zahm, sie steigern sich im Laufe des Spiels aber deutlich. Denn wenn wir das Log-In-Dorf aufgebaut haben, geht es erst richtig los: mit Server-City, einer großen Stadt mit schier endlos viel Platz für dutzende Digimon, die zum Teil recht schwer zu durchschauende und abstruse Bedingungen fordern. Auch das ist ein bisschen Digimon World-typisch, ehrlich gesagt Ich persönlich liebe dieses Gameplay aber sehr, auch wenn man praktisch nicht darum herum kommt, ein Guide zu bemühen. Das Spiel ist noch relativ frisch, insofern gibt es noch keinen vollständigen Guide, aber es gibt bereits einen sehr hilfreichen Google-Spreadsheet sowie einen sehr aktiven Discord-Server des Entwicklers, in dessen Hilfe-Channel man im Endeffekt die Antwort auf jede Frage findet.

Der wohl zentralste Gameplay-Aspekt von Digital Tamers 2 sind natürlich die Kämpfe: Starten können wir einen Kampf, indem wir in einem Gebiet auf ein wildes Digimon doppelklicken. Beim ersten Klick werden uns die zentralen Parameters des gegnerischen Digimons angezeigt, vor allem Level (Rookie, Champion, Ultra usw.), Typus (Serum, Datei, Virus), Element (Feuer, Wasser, Eis usw.), Spezies (Holy, Plant, Aquatic usw.) und der „Level-Level“ (also z.B. Level 23 usw.). Das ist wichtig, um zu entscheiden, ob man einen gewissen Kampf überhaupt angehen will: Mit einem Champion-Level gegen ein Ultra-Level zu kämpfen, ist zum Beispiel sehr schwierig und eigentlich nur denkbar, wenn man entweder mindestens 10-15 Level höher ist und/oder einen deutlichen Typenvorteil hat (z.B. Serum gegen Virus, Wasser gegen Feuer). Entscheiden wir uns für den Kampf, werden wir zum Kampf-Screen weitergeleitet, in dem sich die beiden Digimon in 2D-Perspektive gegenüberstehen. Auf der eigenen Seite finden sich erst einmal 4 Knöpfe, mit denen man seinen Digimon-Partner steuern kann: Verteidigung, Springen, Nahkampfangriff und Fernkampfangriff. Trifft man erfolgreich Angriffe, füllt sich eine blaue Leiste, mit der sich eine Spezialattacke auslösen lässt, die einen Heidenschaden macht und nicht selten einen Kampf entscheidet – doch Obacht, auch die Gegner verfügen über diese Leiste und eine solche Attacke. Jedes Digimon hat ein eigenes Skill-Set mit unterschiedlichen Angriffen, die auch unterschiedliche Reichweiten, Elemente usw. haben. Mir gefiel das sehr gut, da sich jede Digitation so auch wie eine größere Veränderung anfühlte, was mir sehr gut gefiel. Auch allgemein gefiel mir das Kampfsystem gut: Durch gut getimte Verteidigungsmänover, Sprünge und Angriffe kann man auch schwierige Kämpfe gewinnen. Das Digimon agiert aber auch von alleine, wenn man ihm keine Befehle gibt – auch das wieder Digimon World-typisch –, und kann schwächere Gegner auch ohne Probleme selbst bezwingen.

Der Gameplay-Loop ist im Wesentlichen ein steter Wechsel zwischen Training und Questen, um neue Digimon freizuschalten, der mich ziemlich schnell ganz in seinen Bann gezogen hat. Das Spiel ist aber durchaus ziemlich „grindy“, das sei vorweg gesagt. Mich persönlich hat es hier allerdings nicht besonders gestört, da ich das Spiel oft nebenbei gespielt habe, wenn wir z.B. einen Film angeschaut haben, und ich dasselbe Prinzip auch schon aus den Digimon World-Spielen und den Digimon-Tamagotchis kenne. Zum Schluss hatte ich, nach 36 Stunden Spielzeit, 3 Mega-Level-Digimon (Houhoumon, Leviamon und Plesiomon) und hätte ehrlich gesagt gerne noch ein Dutzend mehr gehabt, allerdings fehlte mir dazu dann irgendwann doch die Energie Es wird im Laufe des Spiels aber immer einfacher, seine Digimon zu trainieren, da es z.B. Exp-Boosts gibt, Challenge-Quests, die das Leveln sehr beschleunigen etc. etc. Was ich ebenfalls toll fand: Wilde Digimon haben eine (geringe) Chance, ihre eigenen Dateien zu droppen. Droppt ein Digimon seine Dateien, werde diese automatisch in unserem „Storage“ gespeichert. Digimon, die wir auf diese Weise gespeichert haben, können wir jederzeit booten und dafür unser aktuelles Digimon in den Storage verfrachten. Kurz: Wir können unsere Digimon jederzeit tauschen, das Storage-System erinnert an die guten alten Pokémon-Boxen. So kann man stets mehrere Digimon gleichzeitig haben und trainieren. Das ist vor allem hilfreich, wenn man an einem Gegner nicht vorbeikommt, aber natürlich ist es auch für den Sammler-Aspekt toll. Die Digimon-Modelle sind allesamt wirklich gut gemacht, ebenso die Animationen, und die Auswahl an verfügbaren Digimon ist einfach gewaltig. Ich hätte noch locker 15 weitere Megas haben wollen, allerdings fehlte mir dann doch die Energie, die alle zu trainieren Letztlich habe ich aber bis auf 4 Digimon alle Digimon in die Stadt eingeladen und das Spiel dann auch für mich als ‚beendet‘ erklärt. Zwei der beiden hatten einfach verrückte Bedingungen (10k gewonnen Kämpfe; zur Orientierung: Nach 36 Stunden hatte ich etwas über 3k), einer brauchte ein seltenes Item, das ich bislang einfach nicht finden konnte (aber danach suche ich vielleicht beim Film schauen nochmal) und der letzte braucht ein wiedergeborenes Digimon, d.h. eines der eigenen Digimon muss an Krankheit oder Altersschwäche sterben. Das ist in den ca. 10 Tagen, die ich das Spiel gespielt habe, einfach noch nicht passiert, insofern habe ich das einfach sein lassen (ich will auch kein Digimon dafür opfern, ehrlich gesagt). Diese Mechanik – dass Digimon altern und sterben – kann man im Übrigen auch komplett ausstellen, wenn man das möchte. Ich habe mich allerdings dagegen entschieden, da es irgendwie zu diesen Spielen dazugehört, auch wenn Digital Tamers 2 in dieser Hinsicht deutlich freundlicher ist als die Digimon World-Spiele es sind.

So, und damit komme ich zum Ende. Wie man sieht, hat mich Digital Tamers 2 als Franchise-Fan ziemlich begeistert und auch positiv überrascht. Als ich es mir nach der Monster Taming Direct kurzentschlossen runtergeladen hatte, hatte ich ehrlich gesagt nicht damit gerechnet, dass ich in so kurzer Zeit so viele Stunden in dieses Spiel investieren würde. Aktuell spiele ich tatsächlich sogar mit dem Gedanken, in den nächsten Wochen noch den Erstling runterzuladen und ebenfalls auszuprobieren Allerdings lasse ich mir damit noch ein bisschen Zeit, da ich nicht weiß, wie gut der Erstling im direkten Vergleich mit dem Nachfolger abschneidet. In mancherlei Hinsicht wird der Nachfolger sicherlich ein bisschen ausgereifter sein. Auch die anderen beiden Digimon-Fanspiele auf itch.io werde ich mir bei Gelegenheit bestimmt mal anschauen. Und mit ein bisschen Glück wird das nächste offizielle Digimon-Spiel ja vielleicht auch bald angekündigt Aber bis dahin hat mir Digital Tamers 2 die Wartezeit auf jeden Fall versüßt.

Live a Live [NS] (23h)
Gefühlt lag Live a Live bereits seit ewig und drei Tagen auf meinem Backlog, aber da der Titel – wie ich gerade sehe – erst vor 2 Jahren erschienen ist, scheint mein Zeitgefühl mich hier zu trügen Nach dem Abschluss von NieR Replicant hatte ich mal wieder Lust auf ein JRPG mit rundenbasiertem Kampfsystem und unter den zahlreichen Titeln, die zur Auswahl standen (darunter auch Grandia 2, Lost Sphear, Breath of Fire 3 etc. etc.), fiel die Wahl recht spontan und ohne besonderen Grund auf Live a Live.

Live a Live erschien erstmals 1994 für den SNES, hat Japan seinerzeit aber nie verlassen. Das änderte sich erst, als vor wenigen Jahren völlig überraschend ein Remake im HD-2D-Stil angekündigt wurde, das im Juli 2022 zunächst für Nintendo Switch erschien und inzwischen auch für PCs und Playstation verfügbar ist. Alles in allem ist Live a Live schon strukturell ein bisschen anders als andere Spiele bzw. Rollenspiele: Wir schlüpfen nicht etwa in die Rolle EINES Protagonisten, sondern gleich von mehreren, deshalb gestaltet sich eine Story-Synopse etwas schwierig. Wenn wir das Spiel starten, haben wir die Auswahl zwischen insgesamt 7 verschiedenen Kapiteln, die alle so ca. 2-3 Stunden lang sind (bis auf 1-2 Ausnahmen, die noch kürzer sind): Prehistoric, Edo Japan, Imperial China, Present Day, Near Future, Far Future und Wild West. Wir durchwandern im Laufe des Spiels also zahlreiche verschiedene Settings, die sich auch Gameplay-technisch zum Teil deutlich voneinander unterscheiden. So viel sei gesagt: Nach Abschluss der 7 Kapitel ist das Spiel noch keinesfalls vorbei. Aber was dann noch kommt, findet ihr besser selbst heraus.

Ich persönlich habe mit der Edo Japan-Route begonnen, die bis zum Schluss auch eine meiner liebsten Routen geblieben ist. Auch Near und Far Future gefielen mir ziemlich gut – was mich ehrlich gesagt ein bisschen überrascht hat, da ich eigentlich nicht so für Sci-Fi zu haben bin. Aber beide hatten interessante Story-Ansätze, wie ich fand. Am wenigsten gefiel mir mit Abstand Present Day und auch der Wilde Weste konnte mich nicht so richtig überzeugen. Prehistoric und Imperial China fand ich in Ordnung: Sie haben mich nicht unbedingt begeistert, aber sie haben mich auch nicht gestört. Allerdings muss ich sagen, dass sich bei mir nach 4-5 Kapiteln eine Art Ermüdungseffekt eingestellt hat: Prinzipiell mag ich so kleine Short-Stories – ich bin ja auch sehr für kurze Indie-Games zu haben –, aber irgendwann reicht es mir dann auch einfach. Ich war also heilfroh, als ich endlich das siebte Kapitel abgeschlossen hatte, allerdings begann für mich dann leider der Punkt, an dem meine Stimmung endgültig ins Negative kippte. Aus Spoiler-Gründen möchte ich hier nicht konkret werden, aber die letzten 2-3 Tage musste ich mich jedes Mal regelrecht dazu überwinden, das Spiel überhaupt einzuschalten, weil ich einfach keine Lust mehr hatte. Das Finale hat meine Nerven dann zusätzlich nochmal ordentlich strapaziert. Von meinem anfänglich recht positiven Eindruck ist jetzt – nach Abschluss des Spiels – leider nicht allzu viel übrig geblieben, muss ich sagen. Zum Schluss war ich einfach nur froh, dass es endlich vorbei war.

Gameplay-technisch war das Spiel, wie gesagt, von Route zu Route oft sehr unterschiedlich. Was jedoch in allen Routen gleich war, war das Kampfsystem: Wie eingangs schon erwähnt, hat Live a Live ein rundenbasiertes Kampfsystem, das in mancherlei Hinsicht an die Kampfsysteme von SRPGs angelehnt scheint. So bewegt man sich im Kampf über ein Gitternetz und jeder Angriff hat einen bestimmten „Wirkungsbereich“, z.B. dass man nur direkt angrenzende Gegner angreifen kann, dass man Gegner angreifen kann, die diagonal in 3 Schritten Entfernung stehen etc. So gibt es auch immer eine gewisse taktische Komponente. Jeder Charakter hat darüber hinaus eine Art ATB-Leiste, die sich je nach Speed-Wert unterschiedlich schnell füllt. Allerdings gibt es für den Spieler selbst keinen Zeitdruck, z.B. beim Auswählen der Skills. Die Leisten zeigen nur an, wer wie schnell agiert. Angenehm fand ich es, dass die Skills keine Ressourcen brauchen, Mana-Management etc. war also nicht nötig. Einige Skills müssen aber z.B. gecasted werden und brauchen dadurch ggf. ein bisschen mehr Zeit als andere. Ebenfalls angenehm fand ich es, dass man nach jedem Kampf wieder vollständig geheilt wird und sich dadurch auch keine Gedanken um Healing-Items etc. machen muss. Ich fand das Kampfsystem letztlich okay: Es ist nicht außerordentlich komplex, aber es hat mich auch nichts besonders gestört. Zwischenzeitlich hätte ich mir allerdings gewünscht, dass man Animationen skippen kann. Vom Schwierigkeitsgrad her war das Spiel bis kurz vorm Finale eigentlich gut machbar; das Finale selbst stellte dann allerdings einen ziemlichen Difficulty-Spike dar, auf den ich sehr gut hätte verzichten können.

Und mehr habe ich zu Live a Live ehrlich gesagt auch nicht zu sagen. Es gab ein paar Kapitel, die mir ganz gut gefielen (Japan, Near und Far Future), den überwiegenden Rest des Spiels fand ich ehrlich gesagt ziemlich durchschnittlich und einige Kapitel und Abschnitte fand ich dann ehrlich gesagt auch unterdurchschnittlich. Zum Schluss habe ich Live a Live als ein ziemlich durchschnittliches Spiel empfunden, das sich gegen Ende wirklich gezogen hat und an dem ich zum Schluss auch keinen Spaß mehr hatte. Stand aktuell ist es leider ein ziemlich heißer Kandidat für meinen „Enttäuschung des Jahres“-Slot, da es mir doch deutlich weniger gefallen hat, als ich gehofft bzw. auch erwartet habe. Na ja. Besser ein Ende mit Schrecken als ein Schrecken ohne Ende und so.

Manifold Garden [PS5] (5h)
Und heute habe ich noch einen weiteren Titel beendet, der aber wirklich bereits seit etwas längerer Zeit auf meiner Wunschliste stand: Manifold Garden, ein Puzzle-Game von dem amerikanischen Entwickler William Chyr, das 2020 erstmals erschien. Es handelt sich hierbei um ein Puzzle-Game in Ego-Perspektive, in dem es vor allem um die Schwerkraft geht: Treten wir an eine Wand, können wir mit einem Knopfdruck die Schwerkraft so umkehren, dass wir nun mit den Füßen auf der Wand stehen usw. Das Ziel ist es hierbei meist, mit Würfeln bestimmte Schalter zu aktivieren, damit sich Türen öffnen, Wasserflüsse umzuleiten, damit Räder angetrieben werden usw. Insgesamt kann man also sagen, es handelt sich bei Manifold Garden um ein abstraktes Physik-Rätsel-Spiel. Eine richtige Story gibt es nicht, allenfalls non-verbale Implikationen.

Ich bin nach Abschluss des Spiels ehrlich gesagt ein wenig gespalten: Einerseits gefielen mir einige der Puzzles wirklich gut. Andererseits waren gerade die Puzzles im späteren Spielverlauf oft in so großen Gebieten, dass ich überhaupt keinen Überblick mehr hatte und oft in Guides nachschauen musste, um überhaupt einen Ansatzpunkt zu finden, von dem aus ich dann weitermachen konnte. Diese riesigen, leeren Bereiche spiegeln sich dann zu allem Überfluss auch noch in alle Richtungen; konkret kann man also überall runter springen und landet dann weiter oben usw. Viele der Puzzles waren zwar wirklich clever gemacht, aber ich mag es nicht, wenn ich erst 15 Minuen durch eine riesige, leere Konstruktion aus Gängen, Wänden und Tiefen rennen muss, bevor ich überhaupt irgendetwas finde, mit dem ich interagieren kann. Die Puzzles, die sich in begrenzten Räumen abgespielt haben, gefielen mir hingegen überwiegend gut und waren zum Teil auch wirkliche Kopfnüsse. Wenn man sie dann löst, ist das natürlich sehr befriedigend.

Prinzipiell glaube ich, dass Manifold Garden schon ein gutes Spiel ist, aber ich empfehle dringend – auch als Puzzle-Fan –, ein paar Minuten Gameplay anzuschauen, bevor man es sich kauft – einfach, um zu sehen, ob es etwas für einen ist. Ich fand es zum Schluss „in Ordnung“, aber auch nicht mehr. Dafür gab es zum Schluss einfach zu viele Dinge, die mich gestört haben.

Hey, seht mal: Meine zwei meisterwartetsten Spiele des Jahres! Hatte sie vor drei Tagen angefangen und... war vorgestern schon durch. Astro Bot sogar auf Platin! Na, hoppala!

Zu dem Spiel habe ich mich im entsprechenden Thread schon geäußert, also hier ganz kurz: Ein großartiges Spiel mit viel Abwechslung und Charme, dass einige tolle Bosse, eine geniale Einflechtung des Dualsense und ein paar wirklich coolen und teils obskuren Cameos der Playstation-Historie, aber es enttäuscht ein wenig in den Einsätzen seiner Gadgets und der Auswahl der "Legacy Levels" am Ende meiner Galaxie.

Trotz kleinerer Schwächen wirklich toll, aber bislang ist es gleichauf mit einem gewissen anderen Plattformer, der auch im September erschien (wer meine Review dazu las, weiß mehr ). WElches Spiel am Ende auf dem Thron sitzt, wird meine Spiel des Jahres-Liste zeigen, aber Astro Bot ist erwarteterweise ein heißer Anwärter darauf!

Hier dann meine ganzen Eindrücke:

Beitrag

RE: Astro Bot

Ich bin mittlerweile auch durch (na ja, eigentlich schon vorgestern... nachdem ich es am Tag zuvor angefangen hab. Tja, ich hab im Urlaub ein wenig gesuchtet. XD) und hab ungefähr 15 Stunden für die Platin gebraucht. Zugegeben, ich hab auch ein wenig mehr Erfahrung im Genre, daher hab ich auch die schwierigeren Passagen recht leicht meistern können und es ist jetzt auch kein suuuuperschwieriges Spiel. Und jap, es ist wirklich großartig! Die Level sind herrlich abwechslungsreich und kreativ,…

Psycake

23. September 2024 um 08:17

Ich wünschte, ich könnte von The Plucky Squire (und nein, ich werde den uneleganten deutschen Namen "der kühne Knappe" NIEMALS verwenden), dasselbe sagen aber leider, leider war es nur... "okay". Das Spiel lebt extrem von seiner Bilderbuchähstetik. Diese ist nämlich extrem gelungen und verleiht dem Spiel einen Charme, an dem kein anderes Spiel für mich dieses Jahr heran kam. Es hat auch eine putzige Geschichte mit liebevollen Charakteren, welche zwar nicht heraus ragend ist, aber dennoch unterhält. Ehrlich, allein für das Art Design und die knuffige Geschichte kann ich das Spiel durchaus empfehlen.

Nur auf spielerischer Ebene hatte ich mir deutlich mehr erhofft. Nach dem ersten Trailer hatte ich mir in gewisser Weise die Zelda-Variante von It Takes Two erhofft, linearer als die eigentliche Zelda-Reihe, dafür mit viel spielerischer Abwechslung! Oder vielleicht auch eine feingeschliffenere Variante von Evoland 2. Und ja, linear ist es auch geworden. Abwechslungsreich... na jaaaaa... das Ding ist einfach, wer allein den ersten Trailer gesehen hat, ist schon über die meisten Mingames gestolpert, die das Spiel hat. Diese kommen einfach viel zu selten vor und sie sind auch häufig nicht allzu kreativ. Ein Boxpielchen hier, eine Zielübung dort, eine kleine Shoot-em-Up-Einlage drüben... das ist alles nicht sonderlich inspiriert und zieht sich teilweise auch leider in die Länge, sodass ich manchmal auch schon bereit bin, weiter zu ziehen, aber das Spiel geht einfach noch länger, als es müsste.

Auch die Puzzles, bei denen es oft darum geht, Wörter im Buch auszutauschen, Seiten umzublättern oder das Buch ein wenig zu kippeln, um Gegenstände zu bewegen, entfalten selten ihr volles Potential. Oftmals ist des Rätsels Lösung zu offensichtlich, selten muss ich wirklich mein Hirn anstrengen, nur einige Areale sind auch mal ein wenig größer, sodass ich ein wenig mehr um die Ecke denken muss. Was schade ist, denn das Potential ist da! Wenn ich mal umblättern muss, dann muss ich lediglich auf eine bestimmte Seite blättern, um einen Gegenstand zu holen. Aber wie cool wäre es gewesen, wenn ich z.B. alle Seiten eines Kapitels nutzen muss, um ein größeres Puzzle zu lösen? Oder die Spielwelt mit Wortspielen völlig auf den Kopf zu stellen? Es gibt einige coole Beispiele, bei denen ich einen Ort in zwei verschiedene Stadien versetzen muss, dmait ich ein Puzzle lösen muss, aber auch hier gab es Potential für noch so viel kreativere Wortspiele, die man hätte nutzen können. Ein Tor von "geschlossen" zu "geöffnet" zu ändern ist halt auch nicht sooo aufregend! Ich muss aber sagen, ich mag es, dass das Spiel mir auch ein wenig unsinnigen Blödsinn erlaubt. Ich brauche einen Käseblock, um eine Maus abzulenken, aber ich kann auch einfach die Stachelfallen, die auf dem Weg waren, zu Käse machen. Das sorgt für eine sehr lustige Momente, die mich sogar zum Lachen brachten bei dem Ergebnis. Trotzdem, auch hier hätte ich gerne noch mehr Unsinn angestellt!

Auch der Wechsel in die 3D-Welt hätte besser eingesetzt werden können. Ich hatte gehofft, dass ich immer wieder mal in die 3D-Welt wechseln muss, um dort etwas zu verändern, was dann Auswirkungen auf die Buchwelt hat. Aber wenn ich nicht gerade in der Nähe des Buches bleibe, um Seiten umzublättern oder dergleichen, sagt das Spiel mir einfach direkt "Du musst jetzt nen Gegenstand aus der Aussenwelt holen" und dann folgt halt eine 3D-Passage. Dort wechsele ich zwar immer mal wieder in 2D-Areale, um Abschnitte zu überbrücken, aber nie muss ich mal geschickt zwischen der Aussenwelt und dem eigentlichen Buch hin- und herwechseln, um Rätsel zu lösen. Es ist halt immer einfach der "Aussenabschnitt", der irgendwie unabhängig von der Buchwelt ist. Auch hier wäre doch viel mehr möglich gewesen! Wie wäre es z.b., wenn Objekte von außerhalb in das Buch gelangen und ich sie hätte von außen beseitigen müssen? Oder ich das Buch an andere Orte hätte schieben müssen, wodurch wichtige Objekte in das Buch gelangen? Nein, stattdessen ist es einfach eine "Fetchquest" für ein neues Item jedes Mal.

Was mich aber wirklich überraschte, ist der Fokus auf Kampf in dem Spiel. Immer wieder werde ich in Kampfareale gesteckt, in denen es das einfache Ziel ist, alle Gegner zu besiegen. Das Problem hierbei: Das Kampfsystem ist insgesamt sehr simpel gehalten und die Gegner haben auch nie wirklich kreative Angriffsmuster, wodurch sich die Kämpfe schnell abnutzen und langweilen. Es ist bizarr, dass es so einen Fokus auf die Kämpfe setzt.

Es hat auch ein paar Pacing-Probleme. In der Hauptstadt z.B. muss ich plötzlich wirklich eine Sammelquest absolvieren, bei der ich Schweinchen in ihr Gehege bringen muss. Bis auf ein einziges Schwein, für dass ich dann auch einen neuen Gegenstand brauche, ist das einfach nur langweiliger Filler, storytechnisch wie spielerisch! Das Spiel ist mit 6 Stunden eine recht kompakte Erfahrung, daher hat es mich doch schockiert, dass es Pacingprobleme hat und auf so viele abwechslungsarme Kämpfe setzt!

Oh, ja, und die Framerate... ich hab mir das Spiel auf Switch geholt, da meine physische Fassung für PS5 sein wird und ich es so auf mehreren Plattformen habe. Ich hab jetzt insgesamt ganz gute Dinge darüber gehört. Das ist nicht wahr! Es fängt solide an, aber im späteren Mittelteil des Spiels (so Kapitel 5-7 rum) läuft es teils schrecklich! Ich bin jetzt niemand, die jetzt wirklich grundsolide 60fps braucht, aber Mann, das war teilweise schon unangenehm (wenn auch immerhin nie unspielbar). Die Switchfassung hätte noch deutlich mehr Optimierungszeit vertragen können! Ich hab auch von einigen fiesen Bugs gehört, von denen bin ich aber verschont geblieben zum Glück! Ihr solltet da aber durchaus vorsichtig sein, davon sind wohl alle Versionen aktuell betroffen.

Ist The Plucky Squire jetzt also ein schlechtes Spiel? Mitnichten. Es hat einen wirklich großartigen Artstyle, eine simple, aber durchaus unterhaltsame Geschichte und trotz allem doch ein paar spaßige und kreative Puzzles. Aber gerade ein 6-Stunden-Spiel sollte besseres Pacing und mehr Abwechslung bieten, gerade, wenn diese in den Trailern so angeteast wurde! Auch hätte ich mir deutlich mehr Feinschliff in der Framerate gewünscht!

Insgesamt also doch eher eine meiner Enttäuschungen des Jahres, aber trotzdem recht unterhaltsam. Wartet vielleicht eher auf nen Sale, 30 Euro sind für das Gebotene etwas zu happig. Aber allein für den Artstyle lohnt sich ein Durchlauf trotz allem dann doch!

Ansonsten bekommt ihr in Evoland 2 eine deutlich vielfältigere Erfahrung desselben Konzepts und... vielleicht sollte ich mir RPG Time The Legend of Wright doch endlich mal ansehen, das sieht auch äußerst vielversprechend aus.

Sea of Stars (NSW, ca. 35 Stunden)

Sea of Stars ist im Grunde ein modernes SNES-RPG. Es hat Pixelkunst, die eindeutig von 16-Bit-Klassikern inspiriert ist, lässt eine zusammengewürfelte Gruppe von Abenteurern gegen böse Mächte antreten, verwendet ein cleveres rundenbasiertes Kampfsystem und ist voller atemberaubender Musik (darunter einige Stücke von Chrono Trigger-Komponist Yasunori Mitsuda). Es ist die Art von Old-School-RPG Spielen, mit denen man als Kind Nachmittage verbracht hätte.

Ein Großteil dieser Nostalgie rührte von der wunderschönen Pixelkunst von Sea of Stars her, die ähnlich aussieht wie Spiele wie Secret of Mana und Chrono Trigger etc., aber unglaublich viele moderne Details aufweist. Blätter wiegen sich leicht, als ob sie von einer echten Brise bewegt würden. Wasser kräuselt sich, wenn Menschen hindurchlaufen. Wenn Hauptfiguren sprechen, haben ihre Textfelder ausdrucksstarke Gesichter, die jeden von ihnen unvergesslich machen. Hyperdetaillierte Bosse können mit ihren zusätzlichen Gliedmaßen oder riesigen Köpfen den halben Bildschirm einnehmen. Jedes Mal, wenn ich in ein neues Gebiet kam, konnte ich es kaum erwarten zu sehen, welche visuellen Freuden mich erwarteten.

Das Erkunden dieser Orte machte richtig Spaß. Die Bereiche und Dungeons des Spiels sind aufwendig gestaltet, mit kreuz und quer verlaufenden Pfaden, Leitern, Klippen und Plattformen, die voller Geheimnisse, Rätsel und Schatztruhen stecken. (Es gibt auch eine Menge Rätsel, bei denen man Blöcke schieben muss, aber zum Glück fand ich sie nicht zu nervig.) Es gibt keine Zufallsbegegnungen, das heißt, man kann die potenziellen Gegner sehen, während man herumläuft. Während man einigen Kämpfen aus dem Weg gehen kann, trift da nicht auf t jedem Kampf zu; manchmal griffen Feinde an, nur weil ich an eine neue Stelle gewandert war, und ich konnte nichts dagegen tun.

Das hat mich nie besonders gestört, da die Kämpfe dank des hervorragenden Kampfsystems, das sich wie eine nette Mischung aus Chrono Trigger und Super Mario RPG anfühlt, immer Spaß gemacht haben. In jeder Runde kann man einen Angriff, eine Fertigkeit (oft Magie oder Heilung irgendeiner Art), eine „Combo“-Bewegung (wie eine Technik in Chrono Trigger) oder einen Gegenstand einsetzen. Wenn man seine Tasteneingabe während eines Angriffs richtig timet, verursacht man etwas mehr Schaden, was besonders bei einigen Angriffen Spaß macht, die sich zu Mehrschlag-Spektakeln ausweiten können. (Mit zeitlich abgestimmten Tastendrücken erzielen man auch bessere Heilungen.) Da das Spiel einem mit einer Countdown-Uhr anzeigt, wann Feinde zuschlagen werden, kann man strategisch vorgehen, welche Bösewichte man wann angreift – und ob man mit einem gut getimten Tastendruck auch den Schaden verringern können.

Auf Dauer kann es dem ein oder anderen mit der Zeit langweilen, ich hatte aber durchgehend meinen Spaß mit dem System.

Die beste Kampfmechanik von Sea of Stars ist das Sperrsystem des Spiels. Gelegentlich, wenn ein Feind zu einem großen Zug ansetzt, erscheinen neben seiner Rundenuhr Kästchen mit Symbolen für verschiedene Angriffsarten. Wenn man den Gegner mit allen richtigen Angriffen trifft, bevor die Uhr auf Null läuft, verhindern man, dass er diesen möglicherweise mächtigen Angriff ausführen kann. Wenn mam nur einige dieser Kästchen trifft, schwächt man den Angriff zumindest ab. Es ist ein cleveres System, das mich regelmäßig dazu brachte, innezuhalten und über die Reihenfolge meiner Angriffe nachzudenken, anstatt jeden Kampf so schnell wie möglich durchzuspielen.

Untermalt wird das Ganze vom herausragenden Soundtrack von Sea of Stars. Das Hauptthema des Kampfes ging mir nicht mehr aus dem Kopf, seit ich angefangen hate zu spielen. Ich habe mich auf Bosskämpfe gefreut, damit ich die tolle Musik hören konnte. Ruhigere Stücke sind auch schön.

Aber ich hätte das alles fast nicht erlebt, weil die Story von „Sea of Stars“ sehr langsam beginnt. Man spielt zwei auserwählte Helden, die ihre magischen Kräfte trainieren, um ein bedrohliches Übel zu bekämpfen, und in der ersten Hälfte des Spiels durchlebt man auf der Suche einige allgemeine Story-Höhepunkte. Gespräche dauern oft viel zu lange, sodass man viel Zeit damit verbringt, sich durch Texte zu wühlen.

Die Geschichte war stundenlang so einfallslos, dass ich Sea of Stars fast aufgegeben hätte. Aber als ich es noch einmal versuchte, um zu sehen, ob es besser würde, wurde es tatsächlich besser. Die Handlung entwickelte sich während meines über 30-stündigen Durchspielens (ich habe Dinge für ein gutes Ende gesammelt..und mich dabei angestellt..) in einige interessante Richtungen, aber es ist schade, dass es so lange gedauert hat. Und obwohl Sea of Stars ein Prequel zu Sabotage’s The Messenger ist, braucht man keine Vorkenntnisse aus diesem Spiel, um es zu verstehen, obwohl es für Leute, die beide gespielt haben, wohl einige witzige Verbindungen zwischen den beiden Titeln gibt (die ich natürlich nicht kenne, da Messenger immer noch nicht gespielt).

Ich wollte das Spiel gerne noch etwas mehr mögen, aber gerade bei den Charakteren (besonders des Protagonisten) fehlte mir dann doch etwas Charakterisierung und - Entwicklung. Nur Garl konnte alles für mich retten und für ihn habe ich es auch auf mich genommen, all Gebiete mehrfach abzulaufen, um bestimmte Sammeltgegenstände für das wahre Ende zu finden.

Mit dem war ich dann auch OK. Und ein bisschen freue ich mich auf den Story DLC nächstes Frühjahr. 😊

The Plucky Squire (PS5 ca. 9 h)

In The Plucky Squire spielt man Jot, den Helden eines Kinderbuchs, der früh erfährt, dass er in Wirklichkeit nur der Held eines Kinderbuchs ist. Dies führt zu einer überraschenden Meta-Geschichte, in der Jot zwischen den 2D-Seiten seines Bilderbuchs und der 3D-Realwelt darum herum springt, die durch das Kinderzimmer eines jungen Superfans von Plucky Squire namens Sam dargestellt wird, der alle Geschichten und Waren von Jot sammelt. Diese einzigartige Prämisse ebnet den Weg für das inspirierte Puzzle-Design von The Plucky Squire.

Hat schöne Ideen. Wunderbarer Look. Sowohl im Kinderbuch als auch in der 3 D Umgebung. Viele kleine Minispiele, wie rundenbasierte Kämpfe, Beat em Up, und Shooter-Einlagen, Schleichspiel etc. die bei mir häufig aber verbuggt waren (z.B. bei interstellaren Krieg luden die Gegner nicht und ich konnte nicht schießen), bin im finalen Kampf gefreezt. etc.

Weiter hatte ich einen immer wieder auftretenden Bug, das bei der Manipulation des Kinderbuches keine Eingabe mehr möglich war. Immer wieder, und dann neu starten...wenn dann der letzte (automatische) Speicherpunkt länger zurück war, dann war das extra nervig..(häufig waren die aber nicht so lange her).

Es ist auch recht seicht, kein großer Anspruch bei den kleinen Rätseln. Der Spielfluss wurde ständig gestört, da alle Charaktere inhaltslos alle paar Schritte vor sich hin babbeln mussten. So richtig konnte man auch nicht mit den Charakteren mit fiebern.

Habe es Playstation Plus Premium im Abo gespielt, und kein extra Geld ausgeben, dafür war es ok. Aber ansonsten eher was für oder mit kleinen Kinder (die schon lesen können) ganz nett.

Visions of Mana

platiniert

Teil 1

So, ist soweit, Spiel durch, war absolut sein Geld wert, vieles gut gemacht, aber vieles ließ auch zu Wünschen übrig und hätte man deutlich besser machen können, damit das Spiel nach meinem Geschmack deutlich mehr Spaß gemacht hätte auch langfristig und nicht bloß fürs Erste Mal, denn der Wiederspielwert des Spiels ist leider gleich Null, trotz sinnfreiem New Game Plus-Modus und freischaltbarem minimalen "Postgame-Inhalt".

Aber der Reihe nach:

• Storytelling:
• Gameplay: Kampfsystem
• Gameplay: Charaktersteuerung
• Gameplay: Charakterentwicklung
• Gameplay: Spielinhalt
• Gameplay: Allgemein
• Artdesign: Spielwelt
• Artdesign: Charaktere & Gegner
• Soundtrack:
• Pro & Contra-Ansicht:
• Erwartung & Realität:
• Schlusswertung:

\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ Storytelling //////////////////////

\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ Gameplay: Kampfsystem //////////////////////

\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\\ Gameplay: Charaktersteuerung //////////////////////